Musikteori har altid været et kontroversielt og polariserende emne, især blandt musikproducenter. Kendt som en af de mest kedelige aspekter af musikproduktion, vil du ikke finde mange, der er begejstrede og motiverede for at investere deres fritid og penge i at lære musikteori. Nogle siger, at du slet ikke behøver at kende nogen musikteori (selv Timbaland delte for nylig den samme mening), mens andre vil sværge til det. Nu om dage springer flere og flere kommende musikproducenter teoridelen over og går direkte til at lave beats. Forståeligt, for afhængigt af hvordan du griber det an at lære musikteori, kan det og vil det blive ekstremt kedeligt. Selvom der findes tonsvis af bøger om musikteori (for resten, jeg kan varmt anbefale dig at læse Alfred's essentials of music theory), forskellige musik teorihjælpemidler og musikteorihacks, som du kan bruge til at få en bedre forståelse, er det mest værdifulde først at lære det grundlæggende. Den gode nyhed er dog, at du ikke behøver at lære hver eneste del af musikteorien for at begynde at producere kvalitetsmusik. I denne artikel vil vi lære dig 10 musikteoriprincipper, som enhver musiker, kunstner eller musikproducent bør kende. Disse 10 principper vil ikke gøre dig til den næste Scott Storch, men de vil tjene som et godt fundament og lære dig de grundlæggende musikteoriretningslinjer, som du kan skabe musik ud fra.
Noget du bør læse: De bedste studiomonitorer i 2021
Med teknologien i de bedste DAWs, der bliver mere og mere avanceret, er det nemt at glemme musikteori. Det har derfor fået et noget dårligt ry. Måske uretfærdigt, fordi det at øge din musikalske viden kan være af stor værdi, uanset om du er musikproducer, DJ, sangskriver, kunstner eller bare vil lære at spille klaver. Nu siger jeg ikke, at du skal vide alt, hvad der er at vide. Du skal bare vide, hvad DU har brug for at vide for at hjælpe dig med at blive en bedre musiker. Giver det mening? Lad mig sætte det i et andet perspektiv. Hvis du er buschauffør, behøver du ikke vide, hvilke materialer eller dele bussen er lavet af. Alt, hvad du behøver at vide, er, hvordan du kører den ting! Så der er ikke behov for at dykke ned i utallige musikteoribøger, læse tonsvis af musikteori-reddit-sider eller tilmelde dig et musikteorikursus. Bare det at kende det grundlæggende kan få dig derhen, hvor du vil være. Så lad os komme i gang med de 10 ting, du bør vide om musikteori.
Musikteori for begyndere. 10: Hvad er BPM, og hvordan finder man BPM på en sang
Tempoet i en sang udtrykkes ved BPM (Beats Per Minute), det bestemmer, hvor hurtigt eller langsomt musikken er. Der findes nogle omtrentlige tempovejledninger eller BPM-værdier, som forskellige musikgenrer bruger. For eksempel ligger popmusik typisk mellem 100 og 130 BPM, og Hip-Hop mellem 85 og 115 BPM. Du kan finde disse generelle værdier ved blot at google. Men jeg synes personligt, at den bedste måde at finde en sangs tempo på er at klappe det ud.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/how-to-find-the-bpm.mp4"][/video]
For at finde tempoet på en hvilken som helst sang kan du klappe med til takten og tælle på hver takt i løbet af et minut. Dette giver dig den præcise BPM for en sang. En hurtigere måde er at gøre det over 30 sekunder og derefter gange antallet af takter med to.
Musikteori for begyndere. 9: Hvad er taktart?
Taktarten ændrer musikkens følelse. Taktarten i vores projekt er virkelig vigtig at få rigtig. Det er fordi, den ændrer musikkens følelse, men også den måde, musikken bevæger sig på. To af de mest almindeligt brugte og sete taktarter er 3/4 og 4/4. De lyder forskellige på grund af, hvor vægten i musikken ligger. Vi lægger naturligt vægt på den første takt i takten. I 3/4 sker dette hver tredje takt. I 4/4 sker det hver fjerde takt. Hvis vi skulle klappe en takt ud i 3/4, ville det se sådan ud: 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know.mp4"][/video]
Og i 4/4 ville det se sådan ud: 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4.
Hvis du klappede med til en sang, ville du kunne høre, at de helt sikkert lyder forskellige. Det er en del af grunden til, at vals lyder helt anderledes end en rockmelodi. Et rigtig godt eksempel på, hvordan taktarter ændrer musikkens følelse, findes i Björks cover af It's Oh So Quiet. Hvis du kender sangen, ved du, at der er to tydelige sektioner. Du begynder med den langsomme, forsigtige begyndelse, som så bevæger sig til en virkelig hårdt slagende, hurtig og energisk sektion i midten. Det interessante er, at begyndelsessektionen er i 3/4, og den hurtige midtersektion er i 4/4. Så Björk har i dette cover brugt taktarter til at skabe den kontrast. De er virkelig vigtige.
Musikteori for begyndere. 8: Hvad er tonearts-skift?
Har du nogensinde lyttet til en sang med et episk tonearts-skift til sidst og bare ønsket, at du kunne tilføje noget lignende til dit eget nummer? Chancen er, at der faktisk er et ret almindeligt tonearts-skift, som vi kan genskabe ved hjælp af grundlæggende musikteoretisk viden. En toneart er en gruppe af toner, som vi bruger i vores musik, og som vi samler i en skala. Så hvis vi er i tonearten C-dur, bruger vi alle tonerne i C-dur-skalaen. Hver toneart har en gruppe af nært beslægtede tonearter. Disse er tonearter, der deler mange lignende toner med vores oprindelige toneart. Hvis vi holder os til C-dur, er de nært beslægtede tonearter A-mol, F-dur, D-mol, G-dur og E-mol. Der findes visse regler, der gør det muligt at finde ud af, hvilke tonearter der er nært beslægtede til enhver toneart. Brug dette værktøj til at beregne nært beslægtede tonearter.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/cmajor.mp4"][/video]
Et tonearts-skift fra C-dur til en af disse nært beslægtede tonearter vil sandsynligvis lyde rigtig godt. Men er det faktisk disse tonearts-skift, vi typisk hører i popmusik? Faktisk er der et meget mere almindeligt tonearts-skift, som ofte bruges i popmusik. Det går fra tonika til supertonika. Det bevæger sig grundlæggende til den næste toneart. For eksempel i Whitney Houstons - I Wanna Dance With Somebody, går vi fra F-dur til G-dur. Andre gode eksempler på tonearts-skift brugt i popmusik er Love On Top af Beyonce og Living On A Prayer af Bon Jovi (selvom dette teknisk set ikke er en pop-sang). Så hvis du vil skabe kontrast og interesse i din musik, så overvej at introducere et tonearts-skift.
Musikteori for begyndere. 7: Udnyt modaliteter
Har du nogensinde prøvet at skrive en melodi til en sang og tænkt, at denne melodi bare ikke passer til denne genre? Som om du prøver at skrive en bluesmelodi, men den lyder ikke autentisk. Måske bruger du ikke den rigtige mode. Modes er forskellige typer skalaer, og en skala er en samling af syv toner.
Der findes 7 forskellige modes, og hver af dem har et forskelligt mønster af hele og halve toner mellem hver tone i skalaen. Men skal vi virkelig bekymre os så meget om dem? I virkeligheden vil jeg sige, at størstedelen af de sange, du hører i dur, er skrevet i Ionian-mode. Og det er den normale dur-skala, vi er vant til at høre. Mol-nøgler er lidt mere komplekse og måske en diskussion til en anden dag. Men nogle genrer har en tendens til at bruge forskellige modes. For eksempel, hvis du tager den syvende tone i Ionian-mode og sænker den en halv tone, får du Mixolydian-mode, som du kan bruge til bluesmusik. De samme regler gælder også for de andre modes og skalaer.
Hvis du spiller disse på et klaver, vil du høre, at hver skala har en forskellig følelse. Og det er derfor, nogle typer musik eller genrer har en anderledes og genkendelig lyd. De bruger simpelthen et andet sæt toner, fordi de er skrevet i en anden mode.
Musikteori for begyndere. 6: Hvad er inversioner? Og hvordan bruger man dem
Hvorfor kan vi nogle gange høre en akkord blive spillet to gange og tro, at vi hører to forskellige akkorder? Det er ikke magi, men det er tæt på. En akkord består af tre toner. Og når vi invertérer akkorder, ændrer vi den tone, der ligger nederst, også kendt som grundtonen eller basnoten. Det får det til at lyde som en helt ny akkord. Sådan fungerer det. I en D-akkord har du D nederst, så F Sharp ovenpå og A øverst. Vi beskriver en akkord ordnet sådan som i grundstilling. Vi kan ændre rækkefølgen af disse toner, så grundtonen ikke længere er nederst. Hvis vi flytter D en oktav op, vil F Sharp nu være nederst. I enhver akkord vil den tredje tone, eller midtertonen, være nederst. Denne rækkefølge kalder vi en 1. inversionsakkord.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/song-modes.mp4"][/video]
Vi kan endda tage det et skridt videre og invertére akkorden igen. Hvis vi kan beholde D i dens nye højere position, kan vi også flytte F Sharp en oktav op. Nu er A nederst, eller akkordens femte tone. Dette kalder vi akkordens anden inversion, fordi vi har invertéret akkorden to gange. Men lyder disse inversioner egentlig forskellige? Det er tid til at sætte sig ved klaveret eller keyboardet og høre det selv!
[caption id="attachment_40032" align="alignnone" width="1024"]
Sådan ser D-dur akkorden ud i sin grundstilling[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"]
Sådan ser D-dur akkorden ud i første inversion[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"]
Sådan ser D-dur akkorden ud i anden inversion[/caption]
Inversioner bruges i mange forskellige sange. For eksempel i Ed Sheerans hit sang Thinking Out Loud. Han starter med at spille et D-akkord i grundstilling og går så til en D/F#-akkord. D-akkorden i sin første inversion. Men dette er ikke den eneste brug af dette geniale trick. Vi kan også bruge akkordinversioner til at skabe plads i vores mix. Vi kan ændre, hvor tonen ligger i forhold til tonehøjde og frekvens, men stadig bevare den samme harmoni, den samme akkord. Så hvis du har for mange instrumenter eller lyde i et bestemt frekvensområde, og din mix lyder rodet og mudret, så tænk på at bruge en akkordinversion for at prøve at løse dette.
Musikteori for begyndere. 5: Hvordan man bruger nøgler
Har du nogensinde lyttet til dit track og bare tænkt, gud det lyder virkelig dæmpet eller virkelig mudret og rodet? Eller måske overdøver din bas diskanten. I disse scenarier kan jeg godt lide at tænke på bas- og diskantnøglerne, og hvilke instrumenter der ville ligge i hvilke nøgler. Lad mig forklare det lidt mere, da jeg indser, det måske lyder lidt mærkeligt. Så vi har diskantnøglen, som hovedsageligt bruges til at skrive de toner, der er højere i tonehøjde end midter-C på klaveret. Så har vi basnøglen, hvor vi skriver de toner, der er lavere i tonehøjde end midter-C på klaveret. Hvis jeg har en bas i min mix, ved jeg, at denne bas vil ligge i min basnøgle. En synth vil sandsynligvis ligge i diskantnøglen. En cello vil ligge i basnøglen, og noget som en triangel vil ligge i diskantnøglen. Ved at tænke på mine lyde på denne måde kan jeg vurdere den overordnede mix af mit track. Er der for mange dele i én nøgle? Overdøver den ene nøgle den anden? Og det hjælper mig med at træffe beslutninger om min mixning og om, hvordan jeg skriver dele. Det hjælper også med at sikre, at den overordnede lydmæssige spredning af min mix er ret jævn og velafbalanceret.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/treble-and-bass-clef.mp4"][/video]
Musikteori for begyndere. 4: Kraften i harmonier
Hvorfor kan nogle mennesker harmonisere rigtig, rigtig nemt, mens det for andre viser sig at være lidt mere tricky? Nå, der er de heldige få, for hvem harmonisering bare kommer naturligt. Og det er sandsynligvis fordi, det er en færdighed, de har udviklet over lang tid ved simpelthen at øve sig og lytte til masser af harmonier. Men i de fleste tilfælde vil folk, der harmoniserer, nok kende lidt musik teori. Jeg vil anbefale at lære at harmonisere i tredjedele, fjerdedele og femtedele, da det er de mest almindelige harmonier, vi hører. Men har jeg virkelig brug for harmonier i min sang? Vil de virkelig gøre så stor en forskel? Svaret er JA, helt sikkert. Jeg tror, at harmonier kan forvandle en sang fuldstændigt. De er fantastiske til at fremhæve dele af en sang, til at skabe kontrast, til at gøre teksturen tykkere, til at skabe interesse, de er bare geniale! Og du vil høre dem i stort set alle pop sange, du lytter til. Så hvis du vil tage din mix eller dit track til det næste niveau, så lær lidt teori og begynd at harmonisere!
Musikteori for begyndere. 3: Hvad er pauser? Og hvordan bruger man dem
Hvordan kan fraværet af musik nogle gange være mere effektivt end selve musikken? Ærligt talt er svaret, at det ved jeg ikke! Nogle gange er det bare sådan. Brug af pauser eller stilhed kan skabe så meget suspense og spænding i vores mixes. Det er nogle gange det mest kraftfulde værktøj, vi har. Der er 5 forskellige typer pauser i musik, som du bør kende til. Pauser kan vare i forskellige tidsrum. Dem nedenfor er dem, du bør kende til.
Men er det virkelig sandt? Kan vi skabe så stærk en følelse blot ved at tilføje stilhed? Jeg vil spille en gentaget melodi kaldet progression for dig. Første gang vil jeg ikke tilføje pauser eller stilhed mellem gentagelserne. Anden gang vil jeg, og så hører vi forskellen.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know_1.mp4"][/video]
Du kan høre, at den anden version af denne akkordprogression var helt anderledes. Den skabte meget mere suspense og fremkaldte en helt anden bevægelse. Alt sammen blot ved at tilføje lidt stilhed.
Musikteori for begyndere. 2: Hvad er dynamik i musik?
I vores mix mangler dine instrumenter noget? Måske har de ikke helt det liv eller den følelse, du ønsker, at de skal have. Du har måske brug for at tilføje noget dynamik. Dynamik hjælper os med at fortælle musikkens historie og skabe følelser. Hvis du går tilbage i tiden og kigger på noget nodeskrift, vil du se mange dynamikmarkeringer. Disse fortæller musikeren, hvor højt eller lavt der skal spilles, og dermed hvor meget attack der skal bruges. Og det er disse små nuancer, der hjælper med at formidle disse følelser i musikken. Der er nogle hoveddynamikord, du bør kende til. Disse er Piano, som betyder stille. MF eller Mezzo Forte, som betyder normal volumen. Og Forte, som betyder højt. Du har også Crescendo, som betyder, at du skal starte med at spille stille og gradvist blive højere. Det modsatte er Diminuendo, hvor du starter højt og gradvist bliver stille. Forestil dig, at du importerer alle dine instrumentdele via MIDI, og du vil tilføje noget dynamik. Det virker da nemt, ikke? Du går ind i volumenautomation og automatiserer blot volumen op og ned. Færdigt, ikke? Men hvis du vil have det til at være virkelig, virkelig præcist og få dynamikken til at lyde meget realistisk, så ikke helt. Du bør også overveje at ændre attack eller velocity på hver af disse noder. Hvis du tænker over det, hvis du panorerer et instrument stille, vil du sandsynligvis have meget mindre attack i starten af tonen, end hvis du spillede det højt. Så hvis du vil have mere realistisk dynamik, er dette en af de ting, du bør overveje. Som producere er det de små ændringer, der gør vores mix en smule bedre. Den smule vil bringe dig tættere på perfektion.
Musikteori for begyndere. 1: Lær sproget!
Har du nogensinde været i et studie eller bare et almindeligt rum og følt, at alle talte et helt andet sprog? Da jeg begyndte at lære musikteori og produktion, følte jeg bestemt sådan. Det var som om, jeg vidste, at alle talte engelsk, men for mig kunne det lige så godt have været et udenjordisk sprog. Med tiden og øvelse lærer man dog nogle ord naturligt. Som musikere har vi en universel forkortet måde at formidle komplekse ideer og teknikker på. For eksempel, hvis en dirigent beder en udøver om at spille en del af en sang Forte, ved de præcis, hvad det betyder, og hvad de skal gøre. Ligeledes, hvis en lydtekniker bliver bedt om at anvende kompression på et spor, ved de præcis, hvad det betyder, og hvad de skal gøre. Så jeg vil anbefale, at du investerer tid i at lære de vigtigste ord, både relateret til musikudførelse og til teknik. I sidste ende, som producer, skal vi kunne kommunikere med både musikere og teknikere. Så vi skal kunne tale begge sprog. Vi skal også kunne kommunikere og udtrykke de ideer, vi har i hovedet, for det spor, vi arbejder på. Det bliver meget nemmere, hvis vi kan udtrykke vores ideer i musikalske termer. I sidste ende er det det, der gør os i stand til at udføre vores job effektivt.
Der er altså 10 vigtigste musikteori-principper, du bør kende til. Når det kommer til produktion, er det største tip, jeg kan give, at lave musik, du nyder, og ikke være bange for at tænke ud af boksen og bryde musikkens regler! Tjek vores piano chord and scale charts for hurtigt at lære de vigtigste akkorder og skalaer!