Musiktheorie war schon immer ein kontroverses und polarisierendes Thema, insbesondere unter Musikproduzenten. Da sie als einer der langweiligsten Aspekte der Musikproduktion gilt, findet man nicht viele Leute, die begeistert und motiviert sind, ihre Freizeit und ihr Geld in das Erlernen von Musiktheorie zu investieren. Manche sagen, man müsse überhaupt keine Musiktheorie kennen ( sogar Timbaland war kürzlich derselben Meinung ), während andere darauf schwören. Heutzutage überspringen immer mehr aufstrebende Musikproduzenten den Theorieteil und fangen direkt an, Beats zu machen. Das ist verständlich, denn je nachdem, wie man an das Erlernen von Musiktheorie herangeht, kann und wird es extrem langweilig. Obwohl es unzählige Bücher zur Musiktheorie gibt (ich empfehle Ihnen übrigens wärmstens, Alfreds „Essentials of Music Theory“ zu lesen), verschiedene Spickzettel und Musiktheorie-Hacks, die Sie für ein besseres Verständnis nutzen können, ist es am wertvollsten, zuerst die Grundlagen zu lernen. Die gute Nachricht ist allerdings, dass Sie nicht jedes einzelne Stück Musiktheorie lernen müssen, um hochwertige Musik zu produzieren. In diesem Artikel bringen wir dir 10 musiktheoretische Prinzipien bei, die jeder Musiker, Künstler oder Musikproduzent kennen sollte. Diese 10 Prinzipien machen dich zwar nicht zum nächsten Scott Storch, dienen aber als gute Grundlage und vermitteln dir die grundlegenden musiktheoretischen Richtlinien, mit denen du deine Musik kreieren kannst.
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Da die Technologie der Top-DAWs immer fortschrittlicher wird, vergisst man leicht die Musiktheorie. Sie hat daher einen etwas schlechten Ruf. Vielleicht zu Unrecht, denn die Erweiterung des musikalischen Wissens kann von großem Wert sein, egal ob man Musikproduzent, DJ, Songwriter, Künstler ist oder einfach nur Klavier spielen lernen möchte. Ich sage jetzt nicht, dass man alles wissen muss. Man muss nur wissen, was man wissen muss, um ein besserer Musiker zu werden. Macht das Sinn? Lassen Sie es mich aus einer anderen Perspektive betrachten: Als Busfahrer muss man nicht wissen, aus welchen Materialien oder Teilen der Bus besteht. Man muss nur wissen, wie man das Ding fährt! Man muss sich also nicht in unzählige Musiktheoriebücher vertiefen, tonnenweise Musiktheorie-Reddit-Seiten durchlesen oder sich für einen Musiktheoriekurs anmelden. Schon die Kenntnis der Grundlagen kann einen ans Ziel bringen. Sehen wir uns also die 10 Dinge an, die man über Musiktheorie wissen sollte.
Musiktheorie für Anfänger. 10: Was ist BPM und wie findet man die BPM eines Songs?
Das Tempo eines Songs wird in BPM (Beats Per Minute) angegeben und bestimmt, wie schnell oder langsam die Musik ist. Es gibt einige grobe Tempo-Richtlinien bzw. BPM-Werte, die für verschiedene Musikgenres gelten. Popmusik beispielsweise liegt tendenziell zwischen 100 und 130 BPM und Hip-Hop zwischen 85 und 115 BPM. Diese allgemeinen Werte findet man einfach durch Googeln. Ich persönlich finde jedoch, dass man das Tempo eines Songs am besten durch Klopfen ermittelt.
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Um das Tempo eines Songs zu ermitteln, kannst du zum Takt mitklopfen und jeden Schlag eine Minute lang mitzählen. So erhältst du die genaue BPM eines Songs. Schneller geht es, wenn du dies über 30 Sekunden machst und dann die Anzahl der Schläge mit zwei multiplizierst.
Musiktheorie für Anfänger. 9: Was ist die Taktart?
Die Taktart verändert das Gefühl der Musik. Es ist sehr wichtig, die Taktart unseres Projekts richtig zu treffen. Denn sie verändert nicht nur das Gefühl der Musik, sondern auch ihren Verlauf. Zwei der am häufigsten verwendeten und gesehenen Taktarten sind 3/4 und 4/4. Sie klingen unterschiedlich, weil die Betonung auf der Taktart liegt. Wir betonen natürlich den ersten Schlag des Taktes. Bei 3/4 geschieht dies alle drei Schläge. Bei 4/4 geschieht dies alle vier Schläge. Wenn wir einen Schlag im 3/4-Takt klatschen würden, sähe er etwa so aus: 1,2,3 – 1,2,3 – 1,2,3 – 1,2,3.
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Und im 4/4-Takt würde es so aussehen: 1,2,3,4 – 1,2,3,4 – 1,2,3,4 – 1,2,3,4.
Wenn Sie zu einem Lied mitklatschen, können Sie hören, dass die Lieder definitiv anders klingen. Das ist einer der Gründe, warum ein Walzer ganz anders klingt als ein Rocksong. Ein wirklich tolles Beispiel dafür, wie Taktarten das Gefühl der Musik verändern können, ist Björks Cover von „It’s Oh So Quiet“. Wenn Sie das Lied kennen, wissen Sie, dass es aus zwei unterschiedlichen Abschnitten besteht. Es beginnt mit einem langsamen, schüchternen Anfangsteil, der in einen richtig harten, schnellen, energiegeladenen Mittelteil übergeht. Interessant ist, dass dieser Anfangsteil im 3/4-Takt ist und der schnelle Mittelteil im 4/4-Takt. Björk hat in diesem Cover also Taktarten verwendet, um diesen Kontrast zu erzeugen. Sie sind wirklich wichtig.
Musiktheorie für Anfänger. 8: Was sind Tonartwechsel?
Haben Sie sich auch schon einmal ein Lied mit einem epischen Tonartwechsel am Ende angehört und sich gewünscht, Sie könnten Ihrem eigenen Track so etwas hinzufügen? Wahrscheinlich gibt es tatsächlich einen ganz besonderen Tonartwechsel, den wir mithilfe einiger grundlegender Kenntnisse der Musiktheorie nachspielen können. Eine Tonart ist eine Gruppe von Noten, die wir in unserer Musik verwenden und die wir in einer Tonleiter zusammenfassen. Wenn wir uns also in C-Dur befinden, verwenden wir alle Noten der C-Dur-Tonleiter. Jede Tonart hat eine Gruppe eng verwandter Tonarten. Und diese Tonarten haben viele ähnliche Noten mit unserer ursprünglichen Tonart. Wenn wir bei C-Dur bleiben, sind die eng verwandten Tonarten a-Moll, F-Dur, d-Moll, G-Dur und e-Moll. Mit bestimmten Regeln können Sie herausfinden, welche Tonarten eng miteinander verbunden sind. Verwenden Sie dieses Tool, um eng verwandte Tonarten zu berechnen .
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Ein Tonartwechsel von C-Dur zu einer dieser eng verwandten Tonarten klingt höchstwahrscheinlich sehr gut. Aber sind das tatsächlich die Tonartwechsel, die wir normalerweise in der Popmusik hören? Nun, es gibt tatsächlich einen viel häufigeren Tonartwechsel, der in der Popmusik verwendet wird. Und zwar der Wechsel von der Tonika zur Supertonika. Im Grunde geht es dabei um die nächste Tonart. In Whitney Houstons „I Wanna Dance With Somebody“ wechseln wir beispielsweise von F-Dur nach G-Dur. Weitere großartige Beispiele für Tonartwechsel in der Popmusik sind „Love On Top“ von Beyoncé und „Living On A Prayer“ von Bon Jovi (obwohl dies strenggenommen kein Popsong ist). Wenn Sie also etwas Kontrast und Interesse in Ihre Musik bringen möchten, sollten Sie über einen Tonartwechsel nachdenken.
Musiktheorie für Anfänger. 7: Modi nutzen
Haben Sie schon einmal versucht, eine Melodie für ein Lied zu schreiben, und sich dabei gedacht, dass diese Melodie einfach nicht zum Genre passt? Als ob Sie eine Bluesmelodie schreiben wollten, aber sie einfach nicht authentisch klingt. Vielleicht verwenden Sie den falschen Modus. Modi sind verschiedene Arten von Tonleitern, und eine Tonleiter ist eine Ansammlung von sieben Noten.
Es gibt 7 verschiedene Modi und jeder davon weist zwischen den einzelnen Tönen und Halbtönen ein anderes Muster auf. Aber müssen wir uns darüber wirklich so viele Gedanken machen? Nun, tatsächlich würde ich sagen, dass die meisten Lieder, die Sie in Dur hören, im ionischen Modus geschrieben sind. Und das ist die normale Dur-Tonleiter, die wir gewohnt sind zu hören. Moll-Tonarten sind ein bisschen komplexer und vielleicht eine Diskussion für ein anderes Mal. Wie dem auch sei, manche Genres neigen dazu, andere Modi zu verwenden. Wenn Sie zum Beispiel die siebte Note des ionischen Modus nehmen und sie um einen Halbton erniedrigen, erhalten Sie den mixolydischen Modus, den Sie für Bluesmusik verwenden können. Dieselben Regeln gelten auch für die anderen Modi und Tonleitern.
Wenn Sie diese Tonleitern auf einem Klavier spielen, werden Sie feststellen, dass jede Tonleiter ein anderes Spielgefühl vermittelt. Und deshalb haben manche Musikarten oder Musikgenres einen unterschiedlichen und unverwechselbaren Klang. Sie verwenden einfach unterschiedliche Noten, weil sie in einem anderen Modus geschrieben sind.
Musiktheorie für Anfänger. 6: Was sind Umkehrungen? Und wie man sie verwendet
Warum hören wir manchmal einen Akkord zweimal und denken, wir hörten zwei verschiedene Akkorde? Nun, das ist keine Zauberei, aber es kommt dem schon ziemlich nahe. Ein Akkord besteht aus drei Noten. Und wenn wir einen Akkord umkehren, ändern wir die unterste Note, auch Grundton oder Basston genannt. Dadurch klingt er wie ein völlig neuer Akkord. Und so funktioniert es: Bei einem D-Akkord ist das D ganz unten, darüber das Fis und ganz oben das A. Einen Akkord in dieser Reihenfolge bezeichnen wir als Grundstellung. Wir können die Reihenfolge dieser Noten ändern, sodass der Akkordton nicht mehr unten ist. Wenn wir das D eine Oktave nach oben verschieben, ist das Fis nun unten. Bei jedem Akkordtyp ist die dritte Note oder der mittlere Ton unten. Diese Reihenfolge nennen wir Akkorde in der 1. Umkehrung.
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Wir können sogar noch einen Schritt weitergehen und den Akkord erneut umkehren. Wenn wir das D in seiner neuen höheren Position halten können, können wir auch das Fis eine Oktave nach oben verschieben. Jetzt liegt das A ganz unten, also auf dem fünften Ton des Akkords. Dies nennt man die zweite Umkehrung eines Akkords, da wir den Akkord zweimal umgekehrt haben. Aber klingen diese Umkehrungen tatsächlich anders? Setzen Sie sich an Ihr Klavier oder Keyboard und hören Sie selbst!
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So sieht der D-Dur-Akkord in seiner Grundstellung aus[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"] 
So sieht der D-Dur-Akkord in der ersten Umkehrung aus[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"] 
So sieht der D-Dur-Akkord in der zweiten Umkehrung aus[/caption]
Umkehrungen werden in vielen verschiedenen Songs verwendet. Zum Beispiel in Ed Sheerans Hit „Thinking Out Loud“. Er beginnt mit einem D-Akkord in Grundstellung und wechselt dann zu einem D/Fis-Akkord. Der D-Akkord in seiner ersten Umkehrung. Doch das ist nicht die einzige Anwendung dieses genialen Tricks. Wir können Akkordumkehrungen auch nutzen, um Raum in unserem Mix zu schaffen. Wir können die Position der Note in Tonhöhe und Frequenz verändern, aber dennoch die gleiche Harmonie, den gleichen Akkord, beibehalten. Wenn Sie also zu viele Instrumente oder Klänge in einem bestimmten Frequenzbereich haben und Ihr Mix dadurch unübersichtlich und matschig klingt, sollten Sie versuchen, dies mit einer Akkordumkehrung zu beheben.
Musiktheorie für Anfänger. 5: Wie man Notenschlüssel benutzt
Hast du dir deinen Track auch schon mal angehört und gedacht: „Oh Mann, das klingt total gedämpft, matschig und überladen.“ Oder vielleicht übertönt dein Bass den Diskant? In solchen Fällen denke ich gerne an den Bass- und Violinschlüssel und welche Instrumente in welchen Schlüsseln liegen. Ich erkläre das etwas genauer, da es vielleicht etwas seltsam klingt. Wir haben den Violinschlüssel, mit dem wir hauptsächlich die Noten notieren, die höher als das mittlere C auf dem Klavier sind. Dann haben wir den Bassschlüssel, mit dem wir die Noten notieren, die tiefer als das mittlere C auf dem Klavier sind. Wenn ich einen Bass in meinem Mix habe, weiß ich, dass dieser Bass in meinem Bassschlüssel liegt. Ein Synthesizer liegt höchstwahrscheinlich im Violinschlüssel. Ein Cello liegt im Bassschlüssel, und so etwas wie ein Triangel liegt im Violinschlüssel. Indem ich so über meine Sounds nachdenke, kann ich den Gesamtmix meines Tracks bewerten. Sind zu viele Parts in einem Schlüssel? Übertönt ein Schlüssel den anderen? Und das hilft mir, Entscheidungen über mein Mischen und das Schreiben der Parts zu treffen. Es trägt auch dazu bei, sicherzustellen, dass die allgemeine Klangverteilung meines Mixes einigermaßen gleichmäßig und ausgewogen ist.
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Musiktheorie für Anfänger. 4: Die Kraft der Harmonien
Warum fällt es manchen Menschen so leicht, Harmonien zu komponieren, während es anderen etwas schwerer fällt? Nun, es gibt die wenigen Glücklichen, denen das Komponieren ganz natürlich liegt. Das liegt wahrscheinlich daran, dass sie diese Fähigkeit über lange Zeit durch Üben und Hören vieler Harmonien entwickelt haben. Die meisten Menschen, die harmonisieren, kennen sich aber wahrscheinlich auch ein wenig mit Musiktheorie aus. Ich empfehle, Terzen, Quarten und Quinten zu harmonisieren, da dies die häufigsten Harmonien sind, die wir hören. Aber brauche ich wirklich Harmonien in meinem Song? Machen sie wirklich einen so großen Unterschied? Die Antwort ist JA, absolut. Ich glaube, dass Harmonien einen Song komplett verändern können. Sie eignen sich hervorragend, um Teile eines Songs hervorzuheben, Kontraste zu schaffen, die Textur zu verdichten und Spannung zu erzeugen – sie sind einfach genial! Und man hört sie in so ziemlich jedem Popsong, den man hört. Wenn du also deinen Mix oder Track auf das nächste Level bringen willst, lerne ein bisschen Theorie und fang an zu harmonisieren!
Musiktheorie für Anfänger. 3: Was sind Pausen? Und wie benutzt man sie?
Wie kann manchmal die Abwesenheit von Musik wirkungsvoller sein als die Musik selbst? Ehrlich gesagt: Ich weiß es nicht! Manchmal ist es einfach so. Pausen oder Stille können in unseren Mixen für viel Spannung sorgen. Manchmal ist es unser mächtigstes Werkzeug. Es gibt fünf verschiedene Arten von Pausen in der Musik, die Sie kennen sollten. Pausen können unterschiedlich lang sein. Die folgenden sind die, die Sie kennen sollten.
Aber stimmt das wirklich? Können wir durch das Hinzufügen von Stille eine so starke Emotion erzeugen? Ich spiele Ihnen eine wiederholte Melodie namens „Progression“ vor. Beim ersten Mal füge ich zwischen den Wiederholungen weder Pausen noch Stille ein. Beim zweiten Mal mache ich es, und wir werden den Unterschied hören.
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Man hört, dass die zweite Version dieser Akkordfolge völlig anders war. Sie erzeugte viel mehr Spannung und rief eine völlig andere Bewegung hervor. Und das alles nur durch das Hinzufügen von etwas Stille.
Musiktheorie für Anfänger. 2: Was ist Dynamik in der Musik?
Fehlt Ihren Instrumenten in unserem Mix etwas? Vielleicht haben sie nicht ganz die gewünschte Lebendigkeit oder Emotion. Möglicherweise müssen Sie etwas Dynamik hinzufügen. Dynamik hilft uns, die Geschichte der Musik zu erzählen und Emotionen zu erzeugen. Wenn Sie sich Notenblätter ansehen, werden Sie viele Dynamikangaben finden. Sie geben dem Interpreten an, wie laut oder wie leise er spielen soll und somit mit welcher Anschlagstärke er spielen soll. Und es sind diese kleinen Nuancen, die helfen und diese Emotionen in der Musik vermitteln. Es gibt einige wichtige dynamische Begriffe, die Sie kennen sollten: Piano bedeutet leise, MF oder Mezzoforte bedeutet normale Lautstärke und Forte bedeutet laut. Außerdem gibt es Crescendo, das bedeutet, dass Sie leise beginnen und allmählich lauter werden. Das Gegenteil dazu ist Diminuendo, bei dem Sie laut beginnen und allmählich leiser werden. Stellen Sie sich vor, Sie importieren alle Ihre Instrumentenparts per MIDI und möchten Dynamik hinzufügen. Klingt ganz einfach, oder? Sie automatisieren die Lautstärke und regeln sie einfach hoch und runter. Alles klar? Wenn Sie also wirklich präzise sein und die Dynamik realistisch klingen lassen möchten, dann nicht ganz. Sie sollten auch darüber nachdenken, den Anschlag oder die Velocity jeder Note zu verändern. Wenn Sie ein Instrument leise schwenken, ist die Wahrscheinlichkeit höher, dass der Anschlag am Anfang der Note deutlich geringer ist, als wenn Sie es laut spielen. Wenn Sie also eine realistischere Dynamik wünschen, sollten Sie dies berücksichtigen. Als Produzenten sind es diese kleinen Änderungen, die unseren Mix ein kleines bisschen besser machen. Dieses kleine bisschen bringt Sie der Perfektion näher.
Musiktheorie für Anfänger. 1: Lerne die Sprache!
Waren Sie schon einmal in einem Studio oder einem ganz normalen Raum und hatten das Gefühl, alle sprächen eine völlig andere Sprache? Als ich anfing, Musiktheorie und -produktion zu lernen, ging es mir auf jeden Fall so. Ich wusste zwar, dass alle Englisch sprachen, aber für mich hätten sie genauso gut eine außerirdische Sprache sprechen können. Mit der Zeit und etwas Übung lernt man aber ganz natürlich einige Wörter. Als Musiker haben wir eine universelle Abkürzung, um komplexe Ideen und Techniken zu vermitteln. Wenn beispielsweise ein Dirigent einem Künstler sagt, er solle einen Teil eines Liedes forte spielen, weiß er genau, was das bedeutet und was er tun muss. Und wenn ein Toningenieur gebeten wird, einen Track zu komprimieren, weiß er genau, was das bedeutet und was zu tun ist. Ich empfehle Ihnen daher, etwas Zeit in das Lernen der wichtigsten Begriffe zu investieren – sowohl im Zusammenhang mit der musikalischen Darbietung als auch mit der technischen Umsetzung. Letztendlich müssen wir als Produzent sowohl mit Musikern als auch mit Toningenieuren kommunizieren. Deshalb müssen wir beide Sprachen sprechen können. Wir müssen auch in der Lage sein, die Ideen in unserem Kopf für den vor uns liegenden Track zu kommunizieren und zu verbalisieren. Das fällt uns viel leichter, wenn wir unsere Ideen musikalisch ausdrücken können. Letztendlich ermöglicht uns das, unsere Arbeit effektiv zu erledigen.
Das sind also die zehn wichtigsten Prinzipien der Musiktheorie, die du kennen solltest. Mein wichtigster Tipp für die Musikproduktion: Mach Musik, die dir Spaß macht, und scheue dich nicht, über den Tellerrand hinauszuschauen und die musikalischen Regeln zu brechen! Schau dir unsere Akkord- und Tonleitertabellen für Klavier an, um die wichtigsten Akkorde und Tonleitern schnell zu lernen!
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