Musikteori har alltid varit ett kontroversiellt och polariserande ämne, särskilt bland musikproducenter. Känd som en av de tråkigaste delarna av musikproduktion, hittar du inte många som är entusiastiska och motiverade att investera sin fritid och pengar i att lära sig musikteori. Vissa säger att du inte behöver kunna någon musikteori alls (till och med Timbaland delade nyligen samma åsikt), medan andra svär vid det. Numera hoppar fler och fler blivande musikproducenter över teoridelen och går direkt till att göra beats. Förståeligt, eftersom beroende på hur du lär dig musikteori kan det bli extremt tråkigt. Även om det finns massor av böcker om musikteori (förresten, jag rekommenderar starkt att du läser Alfred's essentials of music theory), olika musik theory cheat sheets och music theory hacks som du kan använda för att få en bättre förståelse, är det mest värdefulla att först lära sig grunderna. Den goda nyheten är dock att du inte behöver lära dig varje liten del av musikteori för att börja producera kvalitetsmusik. I den här artikeln kommer vi att lära dig 10 musikteoriprinciper som varje musiker, artist eller musikproducent bör känna till. Dessa 10 principer kommer inte att förvandla dig till nästa Scott Storch, men de kommer att fungera som en bra grund och lära dig de grundläggande music theory guidelines som du kan skapa musik utifrån.
Något du bör läsa: De bästa studiomonitorerna 2021
Med teknologin i de bästa DAW:arna som blir mer och mer avancerad är det lätt att glömma bort musikteori. Det har därför fått något av ett dåligt rykte. Kanske orättvist, eftersom att öka din musikaliska kunskap kan vara av stort värde, oavsett om du är musikproducent, DJ, låtskrivare, artist eller om du bara vill lära dig spela piano. Nu säger jag inte att du behöver veta allt som finns att veta. Du behöver bara veta vad DU behöver veta för att hjälpa dig bli en bättre musiker. Förstår du? Låt mig förklara på ett annat sätt. Om du är busschaufför behöver du inte veta vilka material eller delar bussen är gjord av. Allt du behöver veta är hur man kör den! Så ingen anledning att dyka ner i otaliga musikteoriböcker, läsa igenom massor av musikteorireddit-sidor eller anmäla dig till någon musikteorikurs. Att bara kunna grunderna kan ta dig dit du vill. Så låt oss gå igenom de 10 saker du bör veta om musikteori.
Musikteori för nybörjare. 10: Vad är BPM och hur man hittar BPM för en låt
Tempot i en låt uttrycks i BPM (Beats Per Minute) och avgör hur snabbt eller långsamt musiken är. Det finns ungefärliga tempoguider eller BPM-värden som olika musikgenrer använder. Till exempel ligger popmusik ofta mellan 100 och 130 BPM och Hip-Hop mellan 85 och 115 BPM. Du kan hitta dessa generella värden genom att helt enkelt googla. Men jag tycker personligen att det bästa sättet att räkna ut en låts tempo är att klappa ut det.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/how-to-find-the-bpm.mp4"][/video]
För att hitta tempot i en låt kan du klappa med i takten och räkna varje slag under en minut. Detta ger dig den exakta BPM för en låt. Ett snabbare sätt är att göra det under 30 sekunder och sedan multiplicera antalet slag med två.
Musikteori för nybörjare. 9: Vad är taktart?
Taktarten ändrar känslan i musiken. Taktarten i vårt projekt är verkligen viktig att få rätt. Detta eftersom den ändrar känslan i musiken men också hur musiken rör sig. Två av de mest använda och vanligaste taktarter är 3/4 och 4/4. De låter olika på grund av var betoningen i musiken ligger. Vi betonar naturligtvis den första taktslagen i takten. I 3/4 händer detta var tredje slag. I 4/4 händer det var fjärde slag. Om vi skulle klappa takten i 3/4 skulle det se ut ungefär som 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know.mp4"][/video]
Och i 4/4 skulle det se ut som 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4.
Om du skulle klappa med till en låt skulle du definitivt höra att de låter olika. Detta är en del av anledningen till att vals låter helt annorlunda än en rocklåt. Ett riktigt bra exempel på hur taktarter förändrar känslan i musiken är i Björks cover av It's Oh So Quiet. Om du är bekant med låten vet du att den har två tydliga sektioner. Du börjar med den långsamma, försiktiga inledningen, som sedan går över till en riktigt hårt slående, snabb och energisk sektion i mitten. Det som är riktigt intressant är att inledningen är i 3/4, och den snabba mittensektionen är i 4/4. Så Björk har i denna cover använt taktarter för att skapa den kontrasten. De är väldigt viktiga.
Musikteori för nybörjare. 8: Vad är tonartsbyten?
Har du någonsin lyssnat på en låt med ett episkt tonartsbyte i slutet och önskat att du kunde lägga till något liknande i din egen låt? Chansen är stor att det faktiskt finns ett ganska enkelt tonartsbyte som vi kan återskapa med grundläggande musikteorikunskaper. En tonart är en grupp toner som vi använder i vår musik, som vi samlar i en skala. Så om vi är i tonarten C-dur använder vi alla toner i C-durskalan. Varje tonart har en grupp närbesläktade tonarter. Dessa är tonarter som delar många liknande toner med vår ursprungliga tonart. Om vi håller oss till C-dur är de närbesläktade tonarterna A-moll, F-dur, D-moll, G-dur och E-moll. Det finns vissa regler som gör att du kan räkna ut vilka varje tonarts närbesläktade tonarter är. Använd detta verktyg för att beräkna närbesläktade tonarter.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/cmajor.mp4"][/video]
Ett tonartsbyte från C-dur till någon av dessa närbesläktade tonarter låter oftast väldigt bra. Men är det verkligen dessa tonartsbyten som vi brukar höra i popmusik? Egentligen finns det ett mycket vanligare tonartsbyte som ofta används i popmusik. Det är att gå från Tonic till Super Tonic. Det innebär i princip att man går vidare till nästa tonart. Till exempel, i Whitney Houstons - I Wanna Dance With Somebody, går vi från F-dur till G-dur. Andra bra exempel på tonartsbyten i popmusik är Love On Top av Beyonce och Living On A Prayer av Bon Jovi (även om detta tekniskt sett inte är en poplåt). Så om du vill skapa kontrast och intresse i din musik, tänk på att införa ett tonartsbyte.
Musikteori för nybörjare. 7: Använd dig av modes
Har du någonsin försökt skriva en melodi till en låt och tänkt att denna melodi passar inte riktigt in i denna genre? Som om du försöker skriva en bluesmelodi men den låter inte autentisk. Kanske använder du inte rätt mode. Modes är olika typer av skalor, och en skala är en samling av sju toner.
Det finns 7 olika modes, och varje mode har ett annat mönster av hela och halva toner mellan varje ton i skalan. Men behöver vi verkligen oroa oss så mycket för dem? I verkligheten skulle jag säga att majoriteten av låtarna du hör i durtonart är skrivna i Ionian-mode. Och det är den normala dur-skalan vi är vana att höra. Molltonarter är lite mer komplexa och kanske ett ämne för en annan dag. Men i alla fall, vissa genrer tenderar att använda olika modes. Till exempel, om du tar den sjunde tonen i Ionian-mode och sänker den med en halvton, får du Mixolydian-mode som du kan använda för bluesmusik. Samma regler gäller för de andra modes och skalorna också.
Om du spelar dessa på ett piano kommer du att höra att varje skala har en annan känsla. Och det är därför vissa typer av musik eller musikgenrer har ett annorlunda och igenkännbart ljud. De använder helt enkelt en annan uppsättning toner eftersom de är skrivna i ett annat mode.
Musikteori för nybörjare. 6: Vad är omvändningar? Och hur man använder dem
Varför kan vi ibland höra ett ackord spelas två gånger och tro att vi hör två olika ackord? Det är inte magi, men det är ganska nära. Ett ackord består av tre toner. Och när vi inverterar ackord ändrar vi tonen som är längst ner, även kallad grundton eller basnot. Och detta får det att låta som helt nya ackord. Så här fungerar det. I ett D-ackord har du D längst ner, sedan F Sharp ovanpå och A längst upp. Vi beskriver ett ackord ordnat så här som i grundposition. Vi kan ändra ordningen på dessa toner så att grundtonen inte längre är längst ner. Om vi flyttar D upp en oktav kommer F Sharp nu att vara längst ner. I alla typer av ackord kommer den tredje tonen, eller mitten tonen, att vara längst ner. Vi kallar denna ordning för första omvändningen.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/song-modes.mp4"][/video]
Vi kan till och med ta det ett steg längre och invertera ackordet igen. Om vi kan behålla D i dess nya högre position kan vi också flytta F Sharp upp en oktav. Nu är A längst ner, eller den femte tonen i ackordet. Detta kallar vi andra omvändningen av ett ackord eftersom vi har inverterat ackordet två gånger. Men låter dessa omvändningar verkligen olika? Dags att sätta sig vid pianot eller keyboarden och höra själv!
[caption id="attachment_40032" align="alignnone" width="1024"]
Så här ser D-durackordet ut i grundposition[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"]
Så här ser D-durackordet ut i första omvändningen[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"]
Så här ser D-durackordet ut i andra inversion[/caption]
Inversioner används i många olika låtar. Till exempel i Ed Sheerans hitlåt Thinking Out Loud. Han börjar med att spela ett D-ackord i grundposition, och går sedan till ett D/F#-ackord. D-ackordet i sin första inversion. Men detta är inte det enda användningsområdet för detta lysande trick. Vi kan också använda ackordinversioner för att skapa utrymme i vår mix. Vi kan ändra var tonen ligger i fråga om tonhöjd och frekvens, men ändå behålla samma harmoni, samma ackord. Så om du har för många instrument eller ljud i ett visst frekvensområde och din mix låter rörig och grumlig, tänk på att använda en ackordinversion för att försöka lösa detta.
Musikteori för nybörjare. 5: Hur man använder klavar
Har du någonsin lyssnat på ditt spår och bara tänkt, herregud det låter verkligen dämpat eller riktigt grumligt och rörigt? Eller kanske är din bas överväldigande jämfört med diskanten? I dessa situationer brukar jag tänka på bas- och diskantklavarna, och vilka instrument som skulle ligga i vilka klavar. Låt mig förklara detta lite mer, eftersom jag inser att det kan låta lite konstigt. Så vi har diskantklaven, som främst används för att skriva noter som är högre i tonhöjd än mitt-C på pianot. Sedan har vi basklaven, där vi skriver noter som är lägre i tonhöjd än mitt-C på pianot. Om jag har en bas i min mix vet jag att denna bas kommer att ligga i min basklav. En synth ligger troligen i diskantklaven. En cello ligger i basklaven, och något som en triangel ligger i diskantklaven. Genom att tänka på mina ljud på detta sätt kan jag utvärdera den övergripande mixen av mitt spår. Finns det för många delar i en klav? Överröstar en klav den andra? Och detta hjälper mig att fatta beslut om min mixning och hur jag skriver delar. Det hjälper också till att försäkra att den övergripande ljudspridningen i min mix är ganska jämn och välbalanserad.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/treble-and-bass-clef.mp4"][/video]
Musikteori för nybörjare. 4: Kraften i harmonier
Varför kan vissa människor harmonisera väldigt, väldigt lätt medan det för andra visar sig vara lite mer knepigt? Jo, det finns några lyckligt lottade som bara naturligt kan harmonisera. Och det beror troligen på att det är en färdighet de har utvecklat under lång tid genom att helt enkelt öva och lyssna på massor av harmonier. Men i de flesta fall kommer personer som harmoniserar förmodligen att kunna lite musikteori. Jag skulle rekommendera att lära sig harmonisera i terser, kvartar och kvinter eftersom det är de vanligaste harmonierna vi hör. Men behöver jag verkligen harmonier i min låt? Kommer de verkligen göra så stor skillnad? Svaret är JA, helt och hållet. Jag tror att harmonier kan helt förvandla en låt. De är fantastiska för att betona delar av en låt, för att skapa kontrast, för att förtjocka texturen, för att skapa intresse, de är helt enkelt lysande! Och du kommer att höra dem i nästan varje poplåt du lyssnar på. Så om du vill ta din mix eller spår till nästa nivå, lär dig lite teori och börja harmonisera!
Musikteori för nybörjare. 3: Vad är pauser? Och hur man använder dem
Hur kan ibland frånvaron av musik vara mer effektiv än själva musiken? Ärligt talat är svaret, jag vet inte! Ibland är det bara så. Att använda pauser eller tystnad kan skapa så mycket spänning och dramatik i våra mixar. Det är ibland det mest kraftfulla verktyget vi har. Det finns 5 olika typer av pauser i musik som du bör känna till. Pauser kan vara olika långa. De nedan är de du bör känna till.
Men är detta verkligen sant? Kan vi skapa en så stark känsla bara genom att lägga till tystnad? Jag ska spela en upprepad melodi som kallas progression. Första gången kommer jag inte att lägga till pauser eller någon tystnad mellan upprepningarna. Andra gången gör jag det och vi kommer att höra skillnaden.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know_1.mp4"][/video]
Du kan höra att den andra versionen av denna ackordföljd var helt annorlunda. Den skapade så mycket mer spänning och väckte en helt annan känsla. Allt bara genom att lägga till lite tystnad.
Musikteori för nybörjare. 2: Vad är dynamik i musik?
I vår mix, saknar dina instrument något? Kanske har de inte riktigt det liv eller den känsla som du vill att de ska ha. Du kan behöva lägga till lite dynamik. Dynamik hjälper oss att berätta musikens historia och skapa känsla. Om du går tillbaka i tiden och tittar på något notblad, kommer du att se många dynamikmarkeringar. Dessa berättar för utövaren hur högt eller tyst de ska spela, och därmed hur mycket attack de ska spela med. Och det är dessa små nyanser som hjälper till att förmedla dessa känslor i musiken. Det finns några huvudord för dynamik som du bör känna till. Dessa är Piano som betyder tyst. MF eller Mezzo Forte som betyder normal volym. Och Forte som betyder högt. Du har också Crescendo, vilket betyder att du ska börja spela tyst och gradvis bli högre. Motsatsen till detta är Diminuendo där du börjar högt och gradvis blir tystare. Så föreställ dig att du importerar alla dina instrumentdelar med MIDI, och du vill lägga till lite dynamik. Det verkar väl enkelt, eller hur? Du går in i volymautomation och automatiserar helt enkelt volymen upp och ner. Klart, eller hur? Så om du vill att det ska vara riktigt, riktigt precist och få dessa dynamiker att låta mycket realistiska, då inte riktigt. Du bör också tänka på att ändra attacken eller velocity på varje av dessa noter. Om du tänker efter, om du panorerar ett instrument tyst, är det mer sannolikt att du har mycket mindre attack i början av tonen än om du skulle spela det högt. Så om du vill ha mer realistisk dynamik är detta en av de saker du bör överväga. Som producenter är det att göra dessa små förändringar som gör vår mix lite bättre. Den lilla biten tar dig närmare perfektion.
Musikteori för nybörjare. 1: Lär dig språket!
Har du någonsin varit i en studio, eller till och med i ett vanligt rum och känt att alla pratade ett helt annat språk? När jag började lära mig musikteori och produktion kände jag definitivt så. Det var som att jag visste att alla pratade engelska, men för mig kunde de lika gärna ha talat något utomjordiskt språk. Med tiden och med övning plockar man upp några ord naturligt. Som musiker har vi en universell förkortning för att förmedla komplexa idéer och tekniker. Till exempel, om en dirigent säger till en musiker att spela en del av en låt Forte, vet de exakt vad det betyder, exakt vad de ska göra. På samma sätt, om en tekniker ombeds att applicera kompression på ett spår, vet de exakt vad det betyder och vad de ska göra. Så jag skulle rekommendera att du investerar tid i att lära dig de viktigaste orden. Både relaterade till musikframförande och till teknik. I slutändan, som producent, behöver vi kommunicera med både musiker och tekniker. Så vi måste kunna tala båda språken. Vi måste också kunna kommunicera och uttrycka idéerna i vårt huvud för spåret framför oss. Vilket blir mycket lättare om vi kan uttrycka våra idéer i musikaliska termer. I slutändan är det det som gör att vi kan göra vårt jobb effektivt.
Så det finns tio viktiga musikteoriprinciper du bör känna till. När det gäller produktion är det största tipset jag kan ge att göra musik du tycker om, och att inte vara rädd för att tänka utanför ramarna och bryta musiks regler! Kolla in våra piano chord and scale charts, för att snabbt lära dig de viktigaste ackorden och skalorna!