Muziektheorie is altijd een controversieel en polariserend onderwerp geweest, vooral onder muziekproducenten. Bekend als een van de saaiste aspecten van muziekproductie, zul je niet veel mensen vinden die enthousiast en gemotiveerd zijn om hun vrije tijd en geld te investeren in het leren van muziektheorie. Sommigen zeggen dat je helemaal geen muziektheorie hoeft te kennen (zelfs Timbaland deelde onlangs dezelfde mening), terwijl anderen er heilig van overtuigd zijn. Tegenwoordig slaan steeds meer opkomende muziekproducenten het theoriegedeelte over en gaan ze direct beats maken. Begrijpelijk, want afhankelijk van hoe je muziektheorie leert, kan het erg saai worden. Hoewel er talloze boeken over muziektheorie zijn (overigens raad ik je sterk aan om Alfred's essentials of music theory te lezen), diverse muziek theorie spiekbriefjes en muziektheorie hacks die je kunt gebruiken om een beter begrip te krijgen, is het meest waardevol om eerst de basisprincipes te leren. Het goede nieuws is echter dat je niet elk klein stukje muziektheorie hoeft te leren om kwaliteitsmuziek te kunnen produceren. In dit artikel leren we je 10 muziektheorie principes die elke muzikant, artiest of muziekproducent zou moeten kennen. Deze 10 principes zullen je niet veranderen in de volgende Scott Storch, maar ze zullen dienen als een goede basis en je de basis muziektheorie richtlijnen leren waarop je je muziek kunt creëren.
Iets dat je zou moeten lezen: De beste studiomonitoren in 2021
Met de technologie in de beste DAW's die steeds geavanceerder wordt, is het makkelijk om muziektheorie te vergeten. Het heeft daardoor een wat slechte reputatie gekregen. Misschien onterecht, want het vergroten van je muzikale kennis kan van grote waarde zijn, of je nu muziekproducent, DJ, songwriter, artiest bent of gewoon piano wilt leren spelen. Ik zeg niet dat je alles hoeft te weten. Je hoeft alleen te weten wat JIJ moet weten om een betere muzikant te worden. Begrijp je dat? Laat ik het anders zeggen. Als je buschauffeur bent, hoef je niet te weten van welke materialen of onderdelen de bus is gemaakt. Alles wat je hoeft te weten is hoe je dat ding moet besturen! Dus geen nood om talloze muziektheorieboeken te lezen, door bergen muziektheorie-redditpagina's te gaan of je in te schrijven voor een muziektheoriecursus. Alleen de basiskennis kan je brengen waar je wilt zijn. Laten we dus ingaan op de 10 dingen die je moet weten over muziektheorie.
Muziektheorie voor beginners. 10: Wat is BPM en hoe vind je de BPM van een nummer
Het tempo van een nummer wordt uitgedrukt in BPM (Beats Per Minute) en bepaalt hoe snel of langzaam de muziek is. Er zijn ruwe tempo-gidsen of BPM-waarden die verschillende muziekgenres gebruiken. Bijvoorbeeld, popmuziek ligt meestal tussen 100 en 130 BPM en Hip-Hop tussen 85 en 115 BPM. Je kunt deze algemene waarden eenvoudig vinden door te googelen. Maar ik vind persoonlijk dat de beste manier om het tempo van een nummer te bepalen is door het mee te klappen.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/how-to-find-the-bpm.mp4"][/video]
Om het tempo van een nummer te vinden, kun je meeklappen op de beat en elke tel tellen gedurende een minuut. Dit geeft je de exacte BPM van een nummer. Een snellere manier is om dit over 30 seconden te doen en dan het aantal tellen te verdubbelen.
Muziektheorie voor beginners. 9: Wat is maatsoort?
De maatsoort verandert het gevoel van de muziek. De maatsoort van ons project is erg belangrijk om goed te krijgen. Dit komt omdat het niet alleen het gevoel van de muziek verandert, maar ook de manier waarop de muziek beweegt. Twee van de meest gebruikte en geziene maatsoorten zijn 3/4 en 4/4. Deze klinken anders vanwege waar de nadruk in de muziek ligt. We leggen van nature de nadruk op de eerste tel van de maat. In 3/4 gebeurt dit elke drie tellen. In 4/4 gebeurt dit elke vier tellen. Als we een tel in 3/4 zouden klappen, zou het er ongeveer zo uitzien: 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know.mp4"][/video]
En in 4/4 zou het eruit zien als 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4.
Als je mee zou klappen met een nummer, zou je horen dat die zeker anders klinken. Dit is een deel van de reden waarom de wals totaal anders klinkt dan een rocknummer. Een heel goed voorbeeld van hoe maatsoorten het gevoel van muziek veranderen, is in Björk's cover van It's Oh So Quiet. Als je het nummer kent, weet je dat er twee duidelijke secties zijn. Je begint met het langzaam bewegende, verlegen begin, dat dan overgaat in een heel hard, snel en energiek middenstuk. Wat echt interessant is, is dat dit beginstuk in 3/4 is, en het snelle middenstuk in 4/4. Dus Björk heeft in deze cover maatsoorten gebruikt om dat contrast te creëren. Ze zijn erg belangrijk.
Muziektheorie voor beginners. 8: Wat zijn toonsoortwisselingen?
Luister je ooit naar een nummer met een epische toonsoortwisseling aan het einde en wens je dat je zoiets aan je eigen track kon toevoegen? De kans is groot dat er eigenlijk een vrij eenvoudige toonsoortwisseling is die we kunnen recreëren met wat basiskennis van muziektheorie. Een toonsoort is een groep noten die we in onze muziek gebruiken, die we samenbrengen in een toonladder. Dus als we in de toonsoort C majeur zijn, gebruiken we alle noten in de C majeur toonladder. Elke toonsoort heeft een groep nauw verwante toonsoorten. Dit zijn toonsoorten die veel vergelijkbare noten delen met onze oorspronkelijke toonsoort. Als we bij C majeur blijven, zijn de nauw verwante toonsoorten A mineur, F majeur, D mineur, G majeur en E mineur. Er zijn bepaalde regels waarmee je kunt bepalen wat de nauw verwante toonsoorten van elke toonsoort zijn. Gebruik deze tool om nauw verwante toonsoorten te berekenen.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/cmajor.mp4"][/video]
Een toonsoortwisseling van C majeur naar een van deze nauw verwante toonsoorten zal waarschijnlijk erg goed klinken. Maar zijn dit eigenlijk de toonsoortwisselingen die we vaak horen in popmuziek? Eigenlijk is er een veel voorkomende toonsoortwisseling die vaak wordt gebruikt in popmuziek. En dat is de overgang van de Tonic naar de Super Tonic. Het beweegt eigenlijk naar de volgende toonsoort. Bijvoorbeeld, in Whitney Houston's - I Wanna Dance With Somebody, gaan we van F majeur naar G majeur. Andere geweldige voorbeelden van toonsoortwisselingen in popmuziek zijn Love On Top van Beyonce en Living On A Prayer van Bon Jovi (hoewel dit technisch gezien geen popnummer is). Dus als je wat contrast en interesse in je muziek wilt creëren, denk dan aan het introduceren van een toonsoortwisseling.
Muziektheorie voor beginners. 7: Maak gebruik van modi
Heb je ooit geprobeerd een melodie voor een lied te schrijven en dacht je bij jezelf dat deze melodie gewoon niet helemaal past bij dit genre? Alsof je een bluesmelodie probeert te schrijven maar het klinkt gewoon niet authentiek. Misschien gebruik je dan niet de juiste modus. Modi zijn verschillende soorten toonladders, en een toonladder is een verzameling van zeven noten.
Er zijn 7 verschillende modi, en elk van hen heeft een ander patroon van tonen en halve tonen tussen elke noot van de toonladder. Maar moeten we ons daar echt zoveel zorgen over maken? Nou, in werkelijkheid zou ik zeggen dat de meerderheid van de liedjes die je hoort in een majeurtoonsoort geschreven zijn in de Ionische modus. En dat is de normale majeur toonladder die we gewend zijn te horen. Mineurtoonsoorten zijn wat complexer en misschien een onderwerp voor een andere keer. Maar hoe dan ook, sommige genres gebruiken vaak verschillende modi. Bijvoorbeeld, als je de zevende noot van de Ionische modus neemt en die een halve toon verlaagt, krijg je de Mixolydische modus die je kunt gebruiken voor bluesmuziek. Dezelfde soort regels gelden ook voor de andere modi en toonladders.
Als je deze op een piano speelt, hoor je dat elke toonladder een ander gevoel geeft. En daarom hebben sommige soorten muziek of sommige muziekgenres een ander en herkenbaar geluid. Ze gebruiken simpelweg een andere set noten omdat ze in een andere modus zijn geschreven.
Muziektheorie voor beginners. 6: Wat zijn omkeringen? En hoe gebruik je ze
Waarom kunnen we soms een akkoord twee keer horen en denken dat we twee verschillende akkoorden horen? Nou, het is geen magie, maar het komt er wel dichtbij. Een akkoord bestaat uit drie noten. En wanneer we akkoorden omkeren, veranderen we de noot die onderaan staat, ook wel de grondtoon of basnoot genoemd. En dit zorgt ervoor dat het klinkt als een compleet nieuw akkoord. Zo werkt het. In een D akkoord heb je de D helemaal onderaan, dan de F Sharp daarboven en de A helemaal bovenaan. We beschrijven een akkoord dat zo geordend is als in grondligging. We kunnen de volgorde van deze noten veranderen, zodat de grondtoon niet langer onderaan staat. Als we besluiten de D een octaaf omhoog te verplaatsen, staat de F Sharp nu onderaan. Bij elk type akkoord zal de derde noot van het akkoord, of de middelste noot, onderaan staan. We noemen deze volgorde een akkoord in de 1e omkering.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/song-modes.mp4"][/video]
We kunnen het zelfs nog een stap verder nemen en het akkoord opnieuw omkeren. Als we de D in zijn nieuwe hogere positie kunnen houden, kunnen we ook de F Sharp een octaaf omhoog verplaatsen. Nu staat de A onderaan, of de vijfde noot van het akkoord. Dit noemen we de tweede omkering van een akkoord omdat we het akkoord twee keer hebben omgekeerd. Maar klinken deze omkeringen eigenlijk anders? Tijd om achter je piano of keyboard te gaan zitten en het zelf te horen!
[caption id="attachment_40032" align="alignnone" width="1024"]
Dit is hoe het D majeur akkoord eruitziet in zijn grondligging[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"]
Dit is hoe het D majeur akkoord eruitziet in de eerste omkering[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"]
Dit is hoe het D-majeurakkoord eruitziet in tweede inversie[/caption]
Inversies worden in veel verschillende nummers gebruikt. Bijvoorbeeld in Ed Sheerans hitnummer Thinking Out Loud. Hij begint met het spelen van een D-akkoord in grondligging, en gaat dan naar een D/Fis-akkoord. Het D-akkoord in zijn eerste inversie. Maar dit is niet het enige gebruik van deze briljante truc. We kunnen akkoordinversies ook gebruiken om ruimte te creëren in onze mix. We kunnen veranderen waar de noot ligt qua toonhoogte en frequentie, maar toch dezelfde harmonie, hetzelfde akkoord behouden. Dus als je te veel instrumenten of geluiden hebt in een bepaald frequentiebereik, en je mix klinkt rommelig en modderig, denk dan aan het gebruik van een akkoordinversie om dit op te lossen.
Muziektheorie voor beginners. 5: Hoe sleutels te gebruiken
Heb je ooit naar je track geluisterd en gedacht, god dit klinkt echt gedempt of echt modderig en rommelig? Of misschien overheerst je bas de hoge tonen. In deze scenario's denk ik graag aan de bas- en vioolsleutels, en welke instrumenten in welke sleutel zouden passen. Laat me dit wat meer uitleggen, want ik besef dat het misschien wat vreemd klinkt. We hebben de vioolsleutel, die vooral wordt gebruikt om de noten te schrijven die hoger zijn dan de middelste C op de piano. Dan hebben we de bassleutel, waar we de noten schrijven die lager zijn dan de middelste C op de piano. Als ik een bas in mijn mix heb, weet ik dat deze bas in mijn bassleutel ligt. Een synth zit waarschijnlijk in de vioolsleutel. Een cello ligt in de bassleutel, en iets als een triangel ligt in de vioolsleutel. Door op deze manier over mijn geluiden na te denken, kan ik de algehele mix van mijn track evalueren. Zijn er te veel delen in één sleutel? Overheerst de ene sleutel de andere? En dit helpt me beslissingen te nemen over mijn mixen en over hoe ik partijen schrijf. Het helpt ook om te verzekeren dat de algehele klankspreiding van mijn mix redelijk gelijkmatig en goed in balans is.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/treble-and-bass-clef.mp4"][/video]
Muziektheorie voor beginners. 4: De kracht van harmonieën
Waarom kunnen sommige mensen heel makkelijk harmoniseren en blijkt het voor anderen wat lastiger te zijn? Nou, er zijn de gelukkigen voor wie harmoniseren gewoon natuurlijk aanvoelt. En dat komt waarschijnlijk omdat het een vaardigheid is die ze in de loop van de tijd hebben ontwikkeld door simpelweg te oefenen en naar veel harmonieën te luisteren. Maar in de meeste gevallen zullen mensen die harmoniseren waarschijnlijk een beetje muziektheorie kennen. Ik zou aanraden om te leren harmoniseren in derden, kwarten en kwinten, omdat dit de meest voorkomende harmonieën zijn die we horen. Maar heb ik echt harmonieën nodig in mijn nummer? Zullen ze echt zoveel verschil maken? Het antwoord is JA, helemaal. Ik geloof dat harmonieën een nummer volledig kunnen transformeren. Ze zijn geweldig om delen van een nummer te benadrukken, voor het creëren van contrast, om de textuur te verdikken, om interesse te wekken, ze zijn gewoon briljant! En je hoort ze in vrijwel elk popnummer dat je luistert. Dus als je je mix of track naar een hoger niveau wilt tillen, leer dan een beetje theorie en begin te harmoniseren!
Muziektheorie voor beginners. 3: Wat zijn rusten? En hoe gebruik je ze
Hoe kan soms de afwezigheid van muziek effectiever zijn dan de muziek zelf? Heel eerlijk gezegd is het antwoord, ik weet het niet! Soms is het gewoon zo. Het gebruik van rusten of stilte kan zoveel spanning en spanning creëren in onze mixes. Het is soms het krachtigste hulpmiddel dat we hebben. Er zijn 5 verschillende soorten rusten in muziek die je moet kennen. Rusten kunnen verschillende tijdsduur hebben. De onderstaande zijn degene die je moet kennen.
Maar is dit echt allemaal waar? Kunnen we zo'n krachtige emotie creëren door simpelweg stilte toe te voegen? Ik ga je een herhaald deuntje spelen genaamd progression. De eerste keer ga ik geen rusten of stilte toevoegen tussen de herhalingen. De tweede keer wel en we zullen het verschil horen.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know_1.mp4"][/video]
Je kunt horen dat de tweede versie van deze akkoordprogressie totaal anders was. Het creëerde veel meer spanning en riep een totaal andere beweging op. Dit alles simpelweg door een beetje stilte toe te voegen.
Muziektheorie voor beginners. 2: Wat is dynamiek in muziek?
Ontbreekt er iets aan je instrumenten in onze mix? Misschien hebben ze niet helemaal het leven of de emotie die je ze wilt geven. Je moet misschien wat dynamiek toevoegen. Dynamiek helpt ons het verhaal van de muziek te vertellen en emotie te creëren. Als je terug in de tijd gaat en naar bladmuziek kijkt, zie je veel dynamische aanduidingen. Deze vertellen de uitvoerder hoe hard of zacht te spelen, en dus met hoeveel attack te spelen. En het zijn deze kleine nuances die helpen en deze emoties in de muziek overbrengen. Er zijn enkele belangrijke dynamische termen die je moet kennen. Dit zijn Piano, wat zacht betekent. MF of Mezzo Forte, wat normaal volume betekent. En Forte, wat luid betekent. Je hebt ook Crescendo, wat betekent dat je zacht moet beginnen en geleidelijk harder moet worden. Het tegenovergestelde hiervan is Diminuendo, waarbij je hard begint en geleidelijk zachter wordt. Stel je voor dat je al je instrumentdelen importeert met MIDI en je wilt wat dynamiek toevoegen. Dat lijkt makkelijk toch? Je gaat naar volume-automatisering en automatiseert gewoon het volume omhoog en omlaag. Klaar toch? Dus als je het echt heel precies wilt, en deze dynamiek heel realistisch wilt laten klinken, dan niet helemaal. Je moet ook denken aan het veranderen van de attack of de velocity van elk van deze noten. Als je erover nadenkt, als je een instrument zacht pan, heb je waarschijnlijk veel minder attack aan het begin van de noot dan wanneer je het hard zou spelen. Dus als je realistischere dynamiek wilt, is dit een van de dingen die je moet overwegen. Als producers zijn het deze kleine veranderingen die onze mix net dat beetje beter maken. Dat beetje brengt je dichter bij perfectie.
Muziektheorie voor beginners. 1: Leer de taal!
Ben je ooit in een studio geweest, of zelfs in een gewone kamer, en had je het gevoel dat iedereen een totaal andere taal sprak? Toen ik begon met het leren van muziektheorie en productie, voelde ik me zeker zo. Het was alsof ik wist dat iedereen Engels sprak, maar voor mij hadden ze net zo goed een buitenaardse taal kunnen spreken. Na verloop van tijd en met oefening pik je vanzelf wat woorden op. Als muzikanten hebben we een universele afkorting om complexe ideeën en technieken over te brengen. Bijvoorbeeld, als een dirigent een uitvoerder vertelt een deel van een nummer Forte te spelen, weten ze precies wat het betekent, precies wat ze moeten doen. En op dezelfde manier, als een engineer wordt gevraagd compressie toe te passen op een track, weten ze precies wat het betekent en wat ze moeten doen. Dus ik zou aanraden om wat tijd te investeren in het leren van de belangrijkste woorden. Zowel met betrekking tot muziekuitvoering als engineering. Uiteindelijk moeten we als producer communiceren met zowel muzikanten als engineers. Dus we moeten beide talen kunnen spreken. We moeten ook in staat zijn om de ideeën in ons hoofd te communiceren en te verwoorden, voor de track voor ons. Wat veel makkelijker zal zijn als we onze ideeën in muzikale termen kunnen uitdrukken. Uiteindelijk is het wat ons in staat stelt ons werk effectief te doen.
Er zijn dus 10 belangrijkste muziektheorieprincipes die je moet kennen. Wat productie betreft, is de beste tip die ik kan geven om muziek te maken waar je van geniet, en wees niet bang om buiten de gebaande paden te treden en de muziekreëgels te breken! Bekijk onze piano akkoord- en schaalkaarten, om snel de belangrijkste akkoorden en schalen te leren!