Teoria muzyki od zawsze była kontrowersyjnym i dzielącym tematem, zwłaszcza wśród producentów muzycznych. Znana jako jeden z najbardziej nudnych aspektów produkcji muzycznej, nie znajdziesz wielu osób podekscytowanych i zmotywowanych do inwestowania swojego wolnego czasu i pieniędzy w naukę teorii muzyki. Niektórzy twierdzą, że nie trzeba znać żadnej teorii muzyki (nawet Timbaland niedawno podzielił się tą samą opinią), podczas gdy inni będą się tego trzymać. Obecnie coraz więcej początkujących producentów muzycznych pomija część teoretyczną i od razu przechodzi do tworzenia bitów. Zrozumiałe, ponieważ w zależności od tego, jak podejdziesz do nauki teorii muzyki, może to stać się niezwykle nudne. Chociaż istnieje mnóstwo książek o teorii muzyki (przy okazji, gorąco polecam przeczytać Alfred's essentials of music theory), różne ściągi z teorii muzyki i triki z teorii muzyki, które możesz wykorzystać, aby lepiej zrozumieć, najcenniejsze jest najpierw nauczyć się podstaw. Dobrą wiadomością jest jednak to, że nie musisz znać każdego szczegółu teorii muzyki, aby zacząć produkować muzykę wysokiej jakości. W tym artykule nauczymy Cię 10 zasad teorii muzyki, które powinien znać każdy muzyk, artysta lub producent muzyczny. Te 10 zasad nie uczynią Cię kolejnym Scottem Storchem, ale posłużą jako dobra podstawa i nauczą Cię podstawowych wytycznych teorii muzyki, na których możesz tworzyć swoją muzykę.
Coś, co powinieneś przeczytać: Najlepsze monitory studyjne w 2021
Dzięki coraz bardziej zaawansowanej technologii w najlepszych DAW-ach łatwo zapomnieć o teorii muzyki. W związku z tym teoria muzyki zyskała nieco złą reputację. Może niesłusznie, ponieważ poszerzanie wiedzy muzycznej może mieć znaczącą wartość, niezależnie od tego, czy jesteś producentem muzycznym, DJ-em, autorem tekstów, artystą, czy po prostu chcesz nauczyć się grać na pianinie. Nie mówię, że musisz znać wszystko, co jest do poznania. Musisz znać to, CO TY potrzebujesz wiedzieć, aby stać się lepszym muzykiem. Czy to ma sens? Pozwól, że przedstawię to z innej perspektywy. Jeśli jesteś kierowcą autobusu, nie musisz wiedzieć, z jakich materiałów lub części zbudowany jest autobus. Wszystko, co musisz wiedzieć, to jak nim jeździć! Więc nie ma potrzeby zagłębiać się w niezliczone książki o teorii muzyki, czytać mnóstwo stron na reddicie o teorii muzyki czy zapisywać się na jakieś zajęcia z teorii muzyki. Znajomość podstaw może zaprowadzić cię tam, gdzie chcesz być. Przejdźmy więc do 10 rzeczy, które powinieneś wiedzieć o teorii muzyki.
Teoria muzyki dla początkujących. 10: Czym jest BPM i jak znaleźć BPM piosenki
Tempo piosenki wyraża się przez BPM (Beats Per Minute), które określa, jak szybka lub wolna jest muzyka. Istnieją ogólne wytyczne dotyczące tempa lub wartości BPM, które stosują różne gatunki muzyczne. Na przykład muzyka pop zwykle mieści się w przedziale od 100 do 130 BPM, a Hip-Hop od 85 do 115 BPM. Możesz znaleźć te ogólne wartości, po prostu wyszukując w Google. Ale osobiście uważam, że najlepszym sposobem na określenie tempa piosenki jest wyklaskanie go.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/how-to-find-the-bpm.mp4"][/video]
Aby znaleźć tempo dowolnej piosenki, możesz klaskać w rytm i liczyć każde uderzenie przez minutę. To da ci dokładne BPM piosenki. Szybszym sposobem jest zrobienie tego przez 30 sekund, a następnie pomnożenie liczby uderzeń przez dwa.
Teoria muzyki dla początkujących. 9: Czym jest oznaczenie metrum?
Oznaczenie metrum zmienia charakter muzyki. Oznaczenie metrum naszego projektu jest naprawdę ważne, aby je dobrze ustalić. Dzieje się tak, ponieważ zmienia ono charakter muzyki, ale także sposób, w jaki muzyka się porusza. Dwa z najczęściej używanych i spotykanych oznaczeń metrum to 3/4 i 4/4. Brzmią one inaczej ze względu na to, gdzie leży akcent w muzyce. Naturalnie akcentujemy pierwszy takt. W 3/4 dzieje się to co trzy uderzenia. W 4/4 dzieje się to co cztery uderzenia. Gdybyśmy klasnęli rytm w 3/4, wyglądałoby to mniej więcej tak: 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know.mp4"][/video]
A w 4/4 wyglądałoby to tak: 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4.
Jeśli klaskałbyś do piosenki, mógłbyś usłyszeć, że na pewno zabrzmią inaczej. To jest część powodu, dla którego walc brzmi zupełnie inaczej niż rockowy utwór. Świetnym przykładem, jak metrum zmienia charakter muzyki, jest cover Björk piosenki It's Oh So Quiet. Jeśli znasz tę piosenkę, wiesz, że są tam dwie wyraźne sekcje. Zaczynasz od powolnej, nieśmiałej sekcji początkowej, która przechodzi do naprawdę mocnej, szybkiej i energetycznej sekcji w środku. Co jest naprawdę interesujące, to fakt, że ta początkowa sekcja jest w 3/4, a szybka środkowa sekcja jest w 4/4. Björk w tym coverze użyła metrum, aby stworzyć ten kontrast. Są one naprawdę ważne.
Teoria muzyki dla początkujących. 8: Czym są zmiany tonacji?
Czy zdarzyło Ci się słuchać piosenki z epicką zmianą tonacji na końcu i po prostu życzyć sobie, abyś mógł dodać coś takiego do własnego utworu? Cóż, istnieje duża szansa, że jest naprawdę dość prosta zmiana tonacji, którą możemy odtworzyć, korzystając z podstawowej wiedzy z teorii muzyki. Tonacja to grupa dźwięków, których używamy w naszej muzyce, które zbieramy razem w skali. Więc jeśli jesteśmy w tonacji C Major, używamy wszystkich dźwięków ze skali C Major. Każda tonacja ma grupę blisko spokrewnionych tonacji. Są to tonacje, które dzielą wiele podobnych dźwięków z naszą oryginalną tonacją. Jeśli pozostaniemy przy C Major, blisko spokrewnione tonacje to A Minor, F Major, D Minor, G Major i E Minor. Istnieją pewne zasady, które pozwalają określić, jakie są blisko spokrewnione tonacje dla każdej tonacji. Użyj tego narzędzia, aby obliczyć blisko spokrewnione tonacje.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/cmajor.mp4"][/video]
Zmiana tonacji z C Major na którąkolwiek z tych blisko spokrewnionych tonacji najprawdopodobniej zabrzmi bardzo dobrze. Ale czy to faktycznie są zmiany tonacji, które zwykle słyszymy w muzyce pop? W rzeczywistości istnieje znacznie częstsza zmiana tonacji, która jest używana w muzyce pop. Polega ona na przejściu z Toniki do Supertoniki. W zasadzie przesuwa się do następnej tonacji. Na przykład w utworze Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody, przechodzimy z F Major do G Major. Inne świetne przykłady zmian tonacji używanych w muzyce pop to Love On Top Beyonce oraz Living On A Prayer Bon Jovi (chociaż technicznie nie jest to piosenka pop). Jeśli więc chcesz stworzyć kontrast i zainteresowanie w swojej muzyce, pomyśl o wprowadzeniu zmiany tonacji.
Teoria muzyki dla początkujących. 7: Wykorzystaj tryby
Czy zdarzyło ci się kiedyś próbować napisać melodię do piosenki i pomyśleć, że ta melodia po prostu nie pasuje do tego gatunku? Jakbyś próbował napisać melodię bluesową, ale nie brzmi ona autentycznie. Być może nie używasz właściwego trybu. Tryby to różne rodzaje skal, a skala to zbiór siedmiu dźwięków.
Istnieje 7 różnych trybów, a każdy z nich ma inny wzór tonów i półtonów pomiędzy kolejnymi dźwiękami skali. Ale czy naprawdę musimy się nimi aż tak bardzo przejmować? W rzeczywistości powiedziałbym, że większość piosenek, które słyszysz w tonacji dur, jest napisana w trybie jońskim. To jest normalna skala dur, do której jesteśmy przyzwyczajeni. Tonacje molowe są trochę bardziej skomplikowane i może to temat na inny dzień. Ale tak czy inaczej, niektóre gatunki mają tendencję do używania różnych trybów. Na przykład, jeśli weźmiesz siódmy dźwięk trybu jońskiego i obniżysz go o pół tonu, otrzymasz tryb miksolidyjski, który możesz wykorzystać w muzyce bluesowej. Te same zasady dotyczą również innych trybów i skal.
Jeśli zagracie je na pianinie, usłyszycie, że każda skala ma inny charakter. I właśnie dlatego niektóre rodzaje muzyki lub gatunki mają inny, rozpoznawalny dźwięk. Po prostu używają innego zestawu dźwięków, ponieważ są napisane w innym trybie.
Teoria muzyki dla początkujących. 6: Czym są inwersje? I jak ich używać
Dlaczego czasami, gdy słyszymy akord grany dwukrotnie, wydaje nam się, że słyszymy dwa różne akordy? To nie magia, ale jest do niej bardzo blisko. Akord składa się z trzech dźwięków. A kiedy odwracamy akordy, zmieniamy dźwięk, który jest na dole, znany również jako dźwięk podstawowy lub basowy. To sprawia, że brzmi on jak zupełnie nowy akord. Oto jak to działa. W akordzie D masz D na samym dole, potem F Sharp nad nim, a A na samej górze. Taki układ akordu nazywamy pozycją podstawową. Możemy zmienić kolejność tych dźwięków, tak aby dźwięk podstawowy nie był już na dole. Jeśli zdecydujemy się przesunąć D o oktawę wyżej, to F Sharp znajdzie się teraz na dole. W każdym rodzaju akordu trzeci dźwięk, czyli środkowy, będzie na dole. Taki układ nazywamy pierwszą inwersją akordu.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/song-modes.mp4"][/video]
Możemy nawet pójść o krok dalej i ponownie odwrócić akord. Jeśli uda nam się utrzymać D na nowej, wyższej pozycji, możemy również przesunąć F Sharp o oktawę wyżej. Teraz na dole jest A, czyli piąty dźwięk akordu. To nazywamy drugą inwersją akordu, ponieważ odwróciliśmy akord dwukrotnie. Ale czy te inwersje faktycznie brzmią inaczej? Czas usiąść przy pianinie lub keyboardzie i przekonać się samemu!
[caption id="attachment_40032" align="alignnone" width="1024"]
Tak wygląda akord D-dur w pozycji podstawowej[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"]
Tak wygląda akord D-dur w pierwszej inwersji[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"]
Tak wygląda akord D-dur w drugiej inwersji[/caption]
Inwersje są używane w wielu różnych piosenkach. Na przykład w hicie Eda Sheerana Thinking Out Loud. Zaczyna od zagrania akordu D w pozycji podstawowej, a potem przechodzi do akordu D/Fis. Akord D w pierwszej inwersji. Ale to nie jest jedyne zastosowanie tego genialnego triku. Możemy też używać inwersji akordów, aby stworzyć przestrzeń w naszym miksie. Możemy zmienić, gdzie nuta leży pod względem wysokości i częstotliwości, ale nadal zachować tę samą harmonię, ten sam akord. Więc jeśli masz za dużo instrumentów lub dźwięków w określonym zakresie częstotliwości, a twój miks brzmi zagracony i zamulony, pomyśl o użyciu inwersji akordu, aby spróbować to rozwiązać.
Teoria muzyki dla początkujących. 5: Jak używać kluczy
Czy kiedykolwiek słuchałeś swojego utworu i pomyślałeś, o Boże, to brzmi naprawdę stłumienie lub naprawdę zamulone i zagracone? A może twój bas zagłusza soprany? W takich sytuacjach lubię myśleć o kluczach basowym i wiolinowym oraz o tym, które instrumenty pasują do których kluczy. Pozwól, że wyjaśnię to trochę bardziej, bo zdaję sobie sprawę, że może to brzmieć trochę dziwnie. Mamy klucz wiolinowy, który służy głównie do zapisywania nut wyższych niż środkowe C na pianinie. Następnie mamy klucz basowy, w którym zapisujemy nuty niższe niż środkowe C na pianinie. Jeśli mam bas w moim miksie, wiem, że ten bas będzie leżał w moim kluczu basowym. Syntezator najprawdopodobniej będzie w kluczu wiolinowym. Wiolonczela będzie w kluczu basowym, a coś takiego jak trójkąt będzie w kluczu wiolinowym. Myśląc o moich dźwiękach w ten sposób, mogę ocenić ogólny miks mojego utworu. Czy jest za dużo partii w jednym kluczu? Czy jeden klucz dominuje nad drugim? I to pomaga mi podejmować decyzje dotyczące miksowania i pisania partii. Pomaga też upewnić się, że ogólne rozłożenie dźwięku w moim miksie jest dość równomierne i dobrze zbalansowane.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/treble-and-bass-clef.mp4"][/video]
Teoria muzyki dla początkujących. 4: Siła harmonii
Dlaczego niektórzy ludzie potrafią harmonizować naprawdę, naprawdę łatwo, a dla innych okazuje się to trochę trudniejsze. Cóż, są szczęśliwcy, dla których harmonizowanie po prostu przychodzi naturalnie. I prawdopodobnie dlatego, że jest to umiejętność, którą rozwijali przez długi czas, po prostu ćwicząc i słuchając wielu harmonii. Ale w większości przypadków ludzie, którzy harmonizują, prawdopodobnie znają trochę teorii muzyki. Polecałbym naukę harmonizowania w tercjach, kwartach i kwintach, ponieważ są to najczęstsze harmonie, które słyszymy. Ale czy naprawdę potrzebuję harmonii w mojej piosence? Czy one naprawdę zrobią aż tak dużą różnicę? Odpowiedź brzmi TAK, całkowicie. Wierzę, że harmonie mogą całkowicie odmienić piosenkę. Są świetne do podkreślania części utworu, tworzenia kontrastu, zagęszczania tekstury, wzbudzania zainteresowania, są po prostu genialne! I usłyszysz je praktycznie w każdej piosence pop, której słuchasz. Więc jeśli chcesz podnieść swój miks lub utwór na wyższy poziom, naucz się trochę teorii i zacznij harmonizować!
Teoria muzyki dla początkujących. 3: Czym są pauzy? I jak ich używać
Jak to możliwe, że czasem brak muzyki jest skuteczniejszy niż sama muzyka? Szczerze mówiąc, nie wiem! Czasem tak po prostu jest. Używanie pauz lub ciszy może tworzyć ogromne napięcie i suspens w naszych miksach. To czasem najpotężniejsze narzędzie, jakie mamy. Istnieje 5 różnych rodzajów pauz w muzyce, które powinieneś znać. Pauzy mogą trwać różne okresy czasu. Te poniżej to te, które powinieneś znać.
Ale czy to naprawdę prawda? Czy możemy wywołać tak silne emocje, po prostu dodając ciszę? Zagram ci powtarzającą się melodię zwaną progresją. Za pierwszym razem nie dodam pauz ani ciszy między powtórzeniami. Za drugim razem to zrobię i usłyszymy różnicę.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know_1.mp4"][/video]
Słychać, że druga wersja tego progresu akordów była zupełnie inna. Stworzyła o wiele więcej napięcia i wywołała zupełnie inne emocje. Wszystko to dzięki dodaniu odrobiny ciszy.
Teoria muzyki dla początkujących. 2: Czym jest dynamika w muzyce?
W naszym miksie, czy twoim instrumentom czegoś brakuje? Być może nie mają tego życia lub emocji, które chciałbyś, aby miały. Może musisz dodać trochę dynamiki. Dynamika pomaga nam opowiadać historię muzyki i tworzyć emocje. Jeśli cofniesz się w czasie i spojrzysz na nuty, zobaczysz wiele oznaczeń dynamiki. Mówią one wykonawcy, jak głośno lub cicho grać, a więc z jakim atakiem. To właśnie te drobne niuanse pomagają przekazać emocje w muzyce. Istnieją główne słowa dynamiki, które powinieneś znać. Są to Piano, co oznacza cicho. MF lub Mezzo Forte, co oznacza normalną głośność. I Forte, co oznacza głośno. Masz też Crescendo, co oznacza, że powinieneś zacząć grać cicho i stopniowo zwiększać głośność. Przeciwieństwem tego jest Diminuendo, gdzie zaczynasz głośno i stopniowo ściszasz. Wyobraź sobie, że importujesz wszystkie partie instrumentów za pomocą MIDI i chcesz dodać trochę dynamiki. Wydaje się to proste, prawda? Wchodzisz w automatyzację głośności i po prostu automatyzujesz podnoszenie i ściszanie głośności. Gotowe, prawda? Jeśli jednak chcesz, aby było to naprawdę precyzyjne i aby dynamika brzmiała bardzo realistycznie, to nie do końca. Powinieneś także pomyśleć o zmianie ataku lub velocity każdej z tych nut. Jeśli się nad tym zastanowisz, jeśli panoramujesz instrument cicho, prawdopodobnie będziesz miał znacznie mniejszy atak na początku nuty niż gdybyś grał głośno. Jeśli więc chcesz bardziej realistycznej dynamiki, to jest jedna z rzeczy, które powinieneś rozważyć. Jako producenci, to właśnie te drobne zmiany sprawią, że nasz miks będzie odrobinę lepszy. Ta odrobina przybliży cię do perfekcji.
Teoria muzyki dla początkujących. 1: Naucz się języka!
Czy kiedykolwiek byłeś w studiu lub nawet w zwykłym pokoju i miałeś wrażenie, że wszyscy mówią zupełnie innym językiem? Kiedy zaczynałem uczyć się teorii muzyki i produkcji, zdecydowanie tak się czułem. To było tak, jakbym wiedział, że wszyscy mówią po angielsku, ale dla mnie mogli równie dobrze mówić jakimś pozaziemskim językiem. Z czasem i z praktyką naturalnie zaczynasz rozumieć niektóre słowa. Jako muzycy mamy uniwersalny skrót myślowy do przekazywania złożonych idei i technik. Na przykład, jeśli dyrygent mówi wykonawcy, aby zagrał fragment utworu Forte, dokładnie wiedzą, co to znaczy i co mają zrobić. Podobnie, jeśli inżynierowi dźwięku każe się zastosować kompresję do ścieżki, dokładnie wie, co to znaczy i co zrobić. Dlatego polecam poświęcić trochę czasu na naukę najważniejszych słów, zarówno związanych z wykonaniem muzycznym, jak i inżynierią dźwięku. Ostatecznie jako producent musimy komunikować się zarówno z muzykami, jak i inżynierami. Musimy więc znać oba języki. Będziemy też musieli umieć komunikować i werbalizować pomysły w naszej głowie, dotyczące utworu przed nami. Co będzie znacznie łatwiejsze, jeśli potrafimy wyrazić nasze pomysły w terminach muzycznych. W końcu to pozwoli nam skutecznie wykonywać naszą pracę.
Istnieje 10 najważniejszych zasad teorii muzyki, które powinieneś znać. Jeśli chodzi o produkcję, największą radą, jaką mogę dać, jest tworzenie muzyki, którą lubisz, i nie obawianie się wyjścia poza schematy oraz łamania zasad muzyki! Sprawdź nasze tabele akordów i skal fortepianowych, aby szybko nauczyć się najważniejszych akordów i skal!