Hudební teorie byla vždy kontroverzním a polarizujícím tématem, zejména mezi hudebními producenty. Známá jako jedna z nejnudnějších oblastí hudební produkce, nenajdete mnoho lidí, kteří by byli nadšení a motivovaní investovat svůj volný čas a peníze do učení hudební teorie. Někteří říkají, že vůbec nemusíte znát žádnou hudební teorii (dokonce i Timbaland nedávno sdílel stejný názor), zatímco jiní na ni přísahají. V dnešní době stále více začínajících hudebních producentů přeskočí teorii a rovnou se pustí do tvorby beatů. Je to pochopitelné, protože v závislosti na tom, jak se hudební teorii učíte, může být a často je velmi nudná. I když existuje spousta knih o hudební teorii (mimochodem, velmi doporučuji přečíst Alfred's essentials of music theory), různé cheat sheety z hudební teorie a triky z hudební teorie, které můžete použít k lepšímu pochopení, nejcennější je nejprve se naučit základy. Dobrou zprávou však je, že nemusíte znát každý detail hudební teorie, abyste mohli začít produkovat kvalitní hudbu. V tomto článku vás naučíme 10 principů hudební teorie, které by měl znát každý hudebník, umělec nebo hudební producent. Těchto 10 principů z vás sice neudělá dalšího Scotta Storcha, ale poslouží jako dobrý základ a naučí vás základní pokyny hudební teorie, na kterých můžete tvořit svou hudbu.
Něco, co byste si měli přečíst: Nejlepší studiové monitory v roce 2021
S tím, jak se technologie v nejlepších DAW stále zdokonaluje, je snadné zapomenout na hudební teorii. Proto má poněkud špatnou pověst. Možná neprávem, protože rozšiřování hudebních znalostí může mít značnou hodnotu, ať už jste hudební producent, DJ, skladatel, umělec nebo pokud se jen chcete naučit hrát na klavír. Neříkám, že musíte znát všechno, co se dá znát. Musíte znát jen to, co POTŘEBUJETE vědět, abyste se stali lepším hudebníkem. Dává to smysl? Pojďme to vidět z jiného úhlu. Pokud jste řidič autobusu, nemusíte vědět, z jakých materiálů nebo dílů je autobus vyroben. Stačí, když víte, jak ten autobus řídit! Takže není třeba se pouštět do nesčetných knih o hudební teorii, pročítat tuny stránek o hudební teorii na redditu nebo se přihlašovat na nějaký kurz hudební teorie. Stačí znát základy a dostanete se tam, kam chcete. Tak pojďme na 10 věcí, které byste měli o hudební teorii vědět.
Hudební teorie pro začátečníky. 10: Co je BPM a jak zjistit BPM písně
Tempo písně je vyjádřeno BPM (Beats Per Minute), které určuje, jak rychlá nebo pomalá je hudba. Existují hrubé průvodce tempem nebo hodnoty BPM, které různé hudební žánry používají. Například popová hudba se obvykle pohybuje mezi 100 a 130 BPM a Hip-Hop mezi 85 a 115 BPM. Tyto obecné hodnoty můžete najít jednoduše vyhledáváním na Googlu. Ale osobně si myslím, že nejlepší způsob, jak zjistit tempo písně, je poklepat si na něj.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/how-to-find-the-bpm.mp4"][/video]
Chcete-li zjistit tempo jakékoli písně, můžete poklepat do rytmu a počítat každý úder během jedné minuty. To vám dá přesné BPM písně. Rychlejší způsob je to udělat během 30 sekund a pak počet úderů vynásobit dvěma.
Hudební teorie pro začátečníky. 9: Co je taktové označení?
Taktové označení mění pocit z hudby. Taktové označení našeho projektu je opravdu důležité správně nastavit. Je to proto, že mění pocit z hudby, ale také způsob, jakým se hudba pohybuje. Dvě z nejčastěji používaných a viděných taktových označení jsou 3/4 a 4/4. Zní odlišně kvůli tomu, kde v hudbě leží důraz. Přirozeně zdůrazňujeme první dobu taktu. V 3/4 se to děje každé tři doby. V 4/4 se to děje každé čtyři doby. Kdybychom tleskali do rytmu v 3/4, vypadalo by to asi takto: 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know.mp4"][/video]
A v 4/4 by to vypadalo jako 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4.
Kdybyste tleskali do rytmu písně, určitě byste slyšeli, že zní odlišně. To je částečně důvod, proč valčík zní úplně jinak než rocková skladba. Skvělým příkladem, jak metrum mění pocit z hudby, je cover Björk na píseň It's Oh So Quiet. Pokud píseň znáte, víte, že jsou tam dvě odlišné části. Začínáte pomalou, plachou úvodní částí, která pak přechází do opravdu tvrdé, rychlé a energické části uprostřed. Co je opravdu zajímavé, je, že úvodní část je v 3/4, a rychlá střední část je v 4/4. Björk v tomto coveru použila metra k vytvoření kontrastu. Jsou opravdu důležitá.
Hudební teorie pro začátečníky. 8: Co jsou změny tóniny?
Posloucháte někdy píseň s epickou změnou tóniny na konci a přáli byste si, abyste něco takového mohli přidat do svého vlastního tracku? Šance jsou, že existuje opravdu docela jednoduchá změna tóniny, kterou můžeme zrekonstruovat pomocí základních znalostí hudební teorie. Tónina je skupina not, které používáme v naší hudbě, které shromažďujeme v stupnici. Pokud jsme tedy v tónině C dur, používáme všechny noty stupnice C dur. Každá tónina má skupinu blízce příbuzných tónin. Jsou to tóniny, které sdílejí mnoho podobných not s naší původní tóninou. Pokud zůstaneme u C dur, blízce příbuzné tóniny jsou A moll, F dur, D moll, G dur a E moll. Existují určitá pravidla, která vám umožní určit, jaké jsou blízce příbuzné tóniny každé tóniny. Použijte tento nástroj k výpočtu blízce příbuzných tónin.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/cmajor.mp4"][/video]
Změna tóniny z C dur na některou z těchto blízce příbuzných tónin pravděpodobně zní velmi dobře. Ale jsou to skutečně ty změny tóniny, které slyšíme v popové hudbě? Ve skutečnosti existuje mnohem běžnější změna tóniny, která se v popu používá. A to je přechod z toniky na supertoniku. V podstatě se posuneme do další tóniny. Například ve skladbě Whitney Houston - I Wanna Dance With Somebody přecházíme z F dur do G dur. Další skvělé příklady změn tóniny v popu jsou Love On Top od Beyonce a Living On A Prayer od Bon Jovi (i když to technicky není popová píseň). Pokud tedy chcete vytvořit kontrast a zajímavost ve své hudbě, zvažte zavedení změny tóniny.
Hudební teorie pro začátečníky. 7: Využití módů
Už jste někdy zkoušeli napsat melodii pro píseň a pomysleli si, že tahle melodie prostě do tohoto žánru nezapadá? Jako byste se snažili napsat bluesovou melodii, ale nezní autenticky. Možná prostě nepoužíváte správný mód. Módy jsou různé typy stupnic a stupnice je soubor sedmi tónů.
Existuje 7 různých módů a každý z nich má jiný vzorec tónů a půltónů mezi jednotlivými tóny stupnice. Ale musíme se jimi opravdu tolik zabývat? Ve skutečnosti bych řekl, že většina písní, které slyšíte v durové tónině, je napsána v ionickém módu. A to je ta normální durová stupnice, na kterou jsme zvyklí. Mollové tóniny jsou trochu složitější a možná téma na jiný den. Nicméně některé žánry mají tendenci používat různé módy. Například pokud vezmete sedmý tón ionického módu a snížíte ho o půltón, máte mixolydický mód, který můžete použít pro bluesovou hudbu. Stejná pravidla platí i pro ostatní módy a stupnice.
Když je zahrajete na piano, uslyšíte, že každá stupnice má jiný charakter. A proto některé typy hudby nebo žánry mají odlišný a rozpoznatelný zvuk. Používají jednoduše jinou sadu tónů, protože jsou napsány v jiném módu.
Hudební teorie pro začátečníky. 6: Co jsou inverze? A jak je používat
Proč někdy slyšíme akord hraný dvakrát a myslíme si, že slyšíme dva různé akordy? Není to magie, ale je to docela blízko. Akord se skládá ze tří tónů. A když invertujeme akordy, měníme tón, který je na spodku, také známý jako základní nebo basový tón. A to způsobuje, že zní jako úplně nový akord. Takto to funguje. V akordu D máte D úplně dole, pak F Sharp nad ním a A úplně nahoře. Takový akord popisujeme jako v základní poloze. Můžeme změnit pořadí těchto tónů tak, aby základní tón nebyl na spodku. Pokud se rozhodneme posunout D o oktávu výš, F Sharp bude nyní na spodku. U jakéhokoliv typu akordu bude třetí tón akordu, tedy střední tón, na spodku. Tento pořádek nazýváme první inverzí akordu.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/song-modes.mp4"][/video]
Můžeme to dokonce posunout ještě dál a akord znovu invertovat. Pokud dokážeme udržet D v jeho nové vyšší poloze, můžeme také posunout F Sharp o oktávu výš. Nyní je na spodku A, tedy pátý tón akordu. Toto nazýváme druhou inverzí akordu, protože jsme akord invertovali dvakrát. Ale zní tyto inverze skutečně jinak? Je čas usednout k pianu nebo klávesám a poslechnout si to na vlastní uši!
[caption id="attachment_40032" align="alignnone" width="1024"]
Takto vypadá akord D dur v základní poloze[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"]
Takto vypadá akord D dur v první inverzi[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"]
Takto vypadá akord D dur ve druhé inverzi[/caption]
Inverze se používají v mnoha různých písních. Například v hitu Eda Sheerana Thinking Out Loud. Začíná hraním akordu D v základní poloze a pak přechází na akord D/F Sharp. Akord D v první inverzi. Ale to není jediný způsob použití tohoto skvělého triku. Inverze akordů můžeme také použít k vytvoření prostoru v našem mixu. Můžeme změnit, kde nota leží z hlediska výšky a frekvence, ale stále zachovat stejnou harmonii, stejný akord. Takže pokud máte příliš mnoho nástrojů nebo zvuků v určité frekvenční oblasti a váš mix zní přeplněně a rozmazaně, zvažte použití inverze akordu, abyste to zkusili vyřešit.
Hudební teorie pro začátečníky. 5: Jak používat klíče
Už jste někdy poslouchali svou skladbu a pomysleli si, bože, to zní opravdu tlumeně nebo opravdu rozmazaně a přeplněně? Nebo možná váš bas přehlušuje výšky. V těchto situacích rád přemýšlím o basovém a houslovém klíči a o tom, které nástroje by patřily do kterého klíče. Dovolte mi to trochu vysvětlit, protože si uvědomuji, že to může znít trochu zvláštně. Takže máme houslový klíč, který se používá hlavně k zápisu not, které jsou výš než střední C na klavíru. Pak máme basový klíč, kde zapisujeme noty, které jsou níže než střední C na klavíru. Pokud mám v mixu bas, vím, že tento bas bude v basovém klíči. Synth je pravděpodobně v houslovém klíči. Violoncello bude v basovém klíči a něco jako triangl bude v houslovém klíči. Přemýšlením o svých zvucích tímto způsobem mohu zhodnotit celkový mix své skladby. Je v jednom klíči příliš mnoho částí? Přehlušuje jeden klíč druhý? A to mi pomáhá rozhodovat o mixování a o tom, jak píšu části. Také mi to pomáhá ujistit se, že celkové zvukové rozložení mého mixu je poměrně rovnoměrné a dobře vyvážené.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/treble-and-bass-clef.mp4"][/video]
Hudební teorie pro začátečníky. 4: Síla harmonií
Proč někteří lidé dokážou harmonizovat opravdu opravdu snadno, zatímco pro jiné je to trochu složitější. No, jsou tu ti šťastlivci, kterým harmonizování prostě přichází přirozeně. A pravděpodobně je to proto, že je to dovednost, kterou si vyvinuli dlouhou praxí a poslechem spousty harmonií. Ale ve většině případů lidé, kteří harmonizují, pravděpodobně znají trochu hudební teorii. Doporučil bych naučit se harmonizovat v terciích, kvartách a kvintách, protože to jsou nejběžnější harmonie, které slyšíme. Ale opravdu potřebuji harmonie ve své písni? Opravdu to udělá takový rozdíl? Odpověď je ANO, úplně. Věřím, že harmonie mohou píseň úplně proměnit. Jsou skvělé pro zdůraznění částí písně, pro vytvoření kontrastu, pro zhuštění textury, pro vytvoření zájmu, jsou prostě skvělé! A uslyšíte je téměř v každé popové písni, kterou posloucháte. Takže pokud chcete posunout svůj mix nebo skladbu na další úroveň, naučte se trochu teorii a začněte harmonizovat!
Hudební teorie pro začátečníky. 3: Co jsou pauzy? A jak je používat
Jak může být někdy absence hudby účinnější než samotná hudba? Upřímně řečeno, odpověď je, že nevím! Někdy to prostě tak je. Používání pauz nebo ticha může vytvořit tolik napětí a napětí v našich mixech. Je to někdy nejsilnější nástroj, který máme. Existuje 5 různých typů pauz v hudbě, které byste měli znát. Pauzy mohou trvat různě dlouho. Ty níže jsou ty, které byste měli znát.
Ale je to opravdu všechno pravda? Můžeme vytvořit tak silnou emoci jen přidáním ticha? Zahraju vám opakující se melodii nazvanou progression. Poprvé nepřidám žádné pauzy ani ticho mezi opakováními. Podruhé ano a uslyšíme rozdíl.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know_1.mp4"][/video]
Slyšíte, že druhá verze tohoto akordového postupu byla úplně jiná. Vytvořila mnohem větší napětí a vyvolala zcela jiný pohyb. To vše jednoduše přidáním trochu ticha.
Hudební teorie pro začátečníky. 2: Co jsou dynamiky v hudbě?
Ve vašem mixu chybí vašim nástrojům něco? Možná nemají ten život nebo emoci, kterou chcete, aby měly. Možná budete muset přidat nějakou dynamiku. Dynamika nám pomáhá vyprávět příběh hudby a vytvářet emoce. Když se vrátíte v čase a podíváte se na nějaké noty, uvidíte spoustu dynamických značek. Ty říkají interpretovi, jak hlasitě nebo tiše hrát, a tedy s jakým nástupem hrát. A právě tyto malé nuance pomáhají a předávají tyto emoce v hudbě. Existují některá hlavní dynamická slova, která byste měli znát. Jsou to Piano, což znamená tiše. MF nebo Mezzo Forte, což znamená normální hlasitost. A Forte, což znamená hlasitě. Máte také Crescendo, což znamená, že byste měli začít hrát tiše a postupně zesilovat. Opakem je Diminuendo, kdy začínáte hlasitě a postupně zeslabujete. Tak si představte, že importujete všechny své nástrojové party pomocí MIDI a chcete přidat nějakou dynamiku. To se zdá být dost jednoduché, že? Jdete do automatizace hlasitosti a jednoduše automatizujete hlasitost nahoru a dolů. Hotovo, že? Pokud to ale chcete mít opravdu, opravdu přesné a chcete, aby tyto dynamiky zněly velmi realisticky, tak ne úplně. Měli byste také uvažovat o změně nástupu nebo rychlosti (velocity) u každé z těchto not. Když o tom přemýšlíte, pokud hrajete nástroj tiše, je pravděpodobnější, že na začátku noty bude mnohem méně nástupu než když byste hráli hlasitě. Takže pokud chcete realističtější dynamiku, je to jedna z věcí, kterou byste měli zvážit. Jako producenti jsou to právě tyto malé změny, které náš mix udělají o něco lepší. Ten malý kousek vás přiblíží k dokonalosti.
Hudební teorie pro začátečníky. 1: Naučte se jazyk!
Byli jste někdy ve studiu nebo dokonce v běžné místnosti a měli pocit, že všichni mluví úplně jiným jazykem? Když jsem začínal učit se hudební teorii a produkci, rozhodně jsem to tak cítil. Bylo to, jako by všichni mluvili anglicky, ale pro mě to mohlo být stejně dobře nějakým mimozemským jazykem. Časem a praxí si však přirozeně osvojíte některá slova. Jako hudebníci máme univerzální zkratky pro vyjádření složitých myšlenek a technik. Například, když dirigent řekne interpretovi, aby hrál část skladby Forte, přesně ví, co to znamená a co má udělat. Stejně tak, když je zvukař požádán o aplikaci komprese na stopu, přesně ví, co to znamená a co má udělat. Doporučuji vám tedy věnovat čas naučit se hlavní pojmy, jak týkající se hudebního výkonu, tak zvukové techniky. Nakonec jako producent musíme komunikovat jak s hudebníky, tak se zvukaři. Musíme tedy umět mluvit oběma jazyky. Také budeme muset umět komunikovat a vyjádřit myšlenky v naší hlavě, pro skladbu před námi. Což bude mnohem snazší, pokud dokážeme své nápady vyjádřit hudebními termíny. Nakonec je to to, co nám umožní efektivně vykonávat naši práci.
Takže existuje 10 nejdůležitějších zásad hudební teorie, které byste měli znát. Z hlediska produkce je největší rada, kterou vám mohu dát, tvořit hudbu, kterou si užíváte, a nebát se vystoupit z rámce a porušit hudební pravidla! Podívejte se na naše přehledy akordů a stupnic pro piano, abyste se rychle naučili nejdůležitější akordy a stupnice!