Musiikin teoria on aina ollut kiistanalainen ja jakava aihe erityisesti musiikkituottajien keskuudessa. Tunnetaan yhtenä musiikkituotannon tylsimmistä osa-alueista, eikä monia löydy innostuneina ja motivoituneina käyttämään vapaa-aikaansa ja rahaa musiikin teorian opiskeluun. Jotkut sanovat, ettei musiikin teoriaa tarvitse lainkaan osata (jopa Timbaland on äskettäin jakanut saman mielipiteen), kun taas toiset vannovat sen nimeen. Nykyään yhä useammat nousevat musiikkituottajat ohittavat teorian osan ja siirtyvät suoraan biittien tekemiseen. Ymmärrettävää, koska riippuen siitä, miten musiikin teoriaa opiskelet, se voi ja tulee olemaan erittäin tylsää. Vaikka musiikin teoriasta on lukuisia kirjoja (muuten, suosittelen lämpimästi lukemaan Alfred's essentials of music theory), erilaisia musiikin teorian pikalistoja ja musiikin teorian niksejä, joita voit käyttää paremman ymmärryksen saamiseksi, arvokkain on kuitenkin ensin oppia perusteet. Hyvä uutinen on kuitenkin se, että sinun ei tarvitse oppia jokaista pientä musiikin teorian yksityiskohtaa aloittaaksesi laadukkaan musiikin tuottamisen. Tässä artikkelissa opetamme sinulle 10 musiikin teorian periaatetta, jotka jokaisen muusikon, artistin tai musiikkituottajan tulisi tietää. Nämä 10 periaatetta eivät tee sinusta seuraavaa Scott Storchiä, mutta ne toimivat hyvänä perustana ja opettavat sinulle perus musiikin teorian ohjeita, joiden pohjalta voit luoda musiikkia.
Jotain, mitä sinun pitäisi lukea: Parhaat studiomonitorit vuonna 2021
Teknologian kehittyessä huippuluokan DAW-ohjelmissa on helppo unohtaa musiikin teoria. Siksi sillä on jonkin verran huono maine. Ehkä epäoikeutetusti, koska musiikillisen tietämyksen lisääminen voi olla merkittävä etu, olitpa sitten musiikkituottaja, DJ, lauluntekijä, artisti tai haluat vain oppia soittamaan pianoa. En nyt sano, että sinun täytyy tietää kaikki mahdollinen. Sinun tarvitsee tietää vain se, mitä SINUN tarvitsee tietää tullaksesi paremmaksi muusikoksi. Onko tämä järkevää? Annan toisen näkökulman. Jos olet bussikuski, sinun ei tarvitse tietää, mistä materiaaleista tai osista bussi on tehty. Sinun tarvitsee vain osata ajaa sitä! Joten ei tarvitse sukeltaa lukemattomiin musiikin teoria -kirjoihin, lukea läpi valtavasti musiikin teoria -reddit-sivuja tai ilmoittautua musiikin teoria -kurssille. Perusteiden tunteminen voi viedä sinut sinne, minne haluat. Joten käydään läpi 10 asiaa, jotka sinun tulisi tietää musiikin teoriasta.
Musiikin teoria aloittelijoille. 10: Mikä on BPM ja miten löytää kappaleen BPM
Kappaleen tempo ilmaistaan BPM:llä (iskua minuutissa), joka määrittää kuinka nopeaa tai hidasta musiikki on. Nyt on olemassa joitakin karkeita tempo-opasteita tai BPM-arvoja, joita eri musiikkityylit käyttävät. Esimerkiksi popmusiikki sijoittuu yleensä 100:n ja 130:n BPM:n välille ja Hip-Hop 85:n ja 115:n BPM:n välille. Voit löytää nämä yleiset arvot yksinkertaisesti googlaamalla. Mutta henkilökohtaisesti mielestäni paras tapa selvittää kappaleen tempo on naputtaa sitä.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/how-to-find-the-bpm.mp4"][/video]
Löytääksesi minkä tahansa kappaleen tempovauhdin, voit naputtaa tahtiin ja laskea jokaisen iskun minuutin ajan. Tämä antaa sinulle kappaleen tarkan BPM:n. Nopeampi tapa on tehdä se 30 sekunnin ajan ja kertoa iskujen määrä kahdella.
Musiikin teoria aloittelijoille. 9: Mikä on aikamerkintä?
Aikamerkintä muuttaa musiikin tuntua. Projektimme aikamerkintä on todella tärkeä saada oikein. Tämä johtuu siitä, että se muuttaa musiikin tuntua, mutta myös tapaa, jolla musiikki liikkuu. Kaksi yleisimmin käytettyä ja nähtyä aikamerkintää ovat 3/4 ja 4/4. Ne kuulostavat erilaisilta, koska painotus musiikissa on eri kohdassa. Luonnollisesti painotamme tahdin ensimmäistä iskua. 3/4:ssa tämä tapahtuu joka kolmas isku. 4/4:ssa se tapahtuu joka neljäs isku. Jos taputtaisimme tahtia 3/4:ssa, se näyttäisi jotakuinkin tältä: 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know.mp4"][/video]
Ja 4/4-tahtilajissa se näyttäisi tältä: 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4.
Jos taputtaisit kappaleen tahtiin, kuulisit varmasti, että ne kuulostavat erilaisilta. Tämä on osa syytä siihen, miksi valssi kuulostaa täysin erilaiselta kuin rock-kappale. Todella hyvä esimerkki tahtilajien vaikutuksesta musiikin tunnelmaan löytyy Björkin coverista It's Oh So Quiet. Jos tunnet kappaleen, tiedät, että siinä on kaksi erillistä osaa. Aloitat hitaasti liikkuvalla aralla aloitusosalla, joka siirtyy keskellä olevaan todella voimakkaaseen, nopeaan ja energiseen osaan. Mielenkiintoista on, että aloitusosa on 3/4-tahtilajissa ja nopea keskiosa 4/4-tahtilajissa. Björk on tässä coverissa käyttänyt tahtilajeja luodakseen kontrastia. Ne ovat todella tärkeitä.
Musiikin teoria aloittelijoille. 8: Mitä ovat avainvaihdot?
Oletko koskaan kuunnellut kappaletta, jossa on eeppinen avainvaihto lopussa, ja toivonut, että voisit lisätä jotain sellaista omaan kappaleeseesi? Todennäköisesti on olemassa melko yksinkertainen avainvaihto, jonka voimme luoda perusmusiikin teorian avulla. Sävellaji on joukko nuotteja, joita käytämme musiikissamme ja jotka keräämme asteikkoon. Joten jos olemme C-duurin sävellajissa, käytämme kaikkia C-duuri-asteikon nuotteja. Jokaisella sävellajilla on joukko läheisesti liittyviä sävellajeja. Nämä ovat sävellajeja, jotka jakavat paljon samankaltaisia nuotteja alkuperäisen sävellajimme kanssa. Jos pysymme C-duurissa, läheisesti liittyvät sävellajit ovat A-molli, F-duuri, D-molli, G-duuri ja E-molli. On olemassa tiettyjä sääntöjä, joiden avulla voit selvittää, mitkä ovat kunkin sävellajin läheisesti liittyvät sävellajit. Käytä tätä työkalua läheisesti liittyvien sävellajien laskemiseen.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/cmajor.mp4"][/video]
Avainvaihto C-duurista johonkin näistä läheisesti liittyvistä sävellajeista kuulostaa todennäköisesti erittäin hyvältä. Mutta ovatko nämä oikeasti ne avainvaihdot, joita popmusiikissa yleensä kuulemme? Itse asiassa popmusiikissa käytetään paljon yleisemmin avainvaihtoa, joka menee Tonicista Super Tonic -asteelle. Se siirtyy käytännössä seuraavaan sävellajiin. Esimerkiksi Whitney Houstonin - I Wanna Dance With Somebody -kappaleessa siirrytään F-duurista G-duuriin. Muita hyviä esimerkkejä popmusiikissa käytetyistä avainvaihdoista ovat Beyonce:n Love On Top ja Bon Jovin Living On A Prayer (vaikka tämä teknisesti ottaen ei ole popkappale). Joten jos haluat luoda musiikkiisi kontrastia ja mielenkiintoa, harkitse avainvaihdon käyttämistä.
Musiikin teoria aloittelijoille. 7: Hyödynnä moodit
Oletko koskaan yrittänyt kirjoittaa melodiaa kappaleeseen ja ajatellut, että tämä melodia ei vain sovi tähän genreen? Ikään kuin yrittäisit kirjoittaa blues-melodiaa, mutta se ei kuulosta autenttiselta. Ehkä et käytä oikeaa moodia. Moodit ovat erilaisia asteikkoja, ja asteikko on kokoelma seitsemää säveltä.
On olemassa 7 eri moodia, ja jokaisella on erilainen sävelten ja puolisävelten kuvio asteikon sävelten välillä. Mutta tarvitsemmeko oikeasti huolehtia niistä niin paljon? Todellisuudessa sanoisin, että suurin osa kappaleista, joita kuulet duurissa, on kirjoitettu ionian-moodissa. Se on normaali duuriasteikko, johon olemme tottuneet. Mollisävellajit ovat hieman monimutkaisempia ja ehkä keskustelun aihe toiseen kertaan. Mutta joka tapauksessa jotkut genret käyttävät eri moodeja. Esimerkiksi, jos otat ionian-moodin seitsemännen sävelen ja alennat sitä puolisävelaskeleella, saat mixolydian-moodin, jota voit käyttää blues-musiikissa. Samat säännöt pätevät myös muihin moodeihin ja asteikkoihin.
Jos soitat näitä pianolla, kuulet, että jokaisella asteikolla on erilainen tunnelma. Siksi jotkut musiikkityylit tai -genret kuulostavat erilaisilta ja tunnistettavilta. Ne käyttävät yksinkertaisesti eri säveljoukkoa, koska ne on kirjoitettu eri moodissa.
Musiikin teoriaa aloittelijoille. 6: Mitä ovat käännökset? Ja miten niitä käytetään
Miksi joskus voimme kuulla soinnun soitettavan kahdesti ja ajatella kuulevamme kaksi eri sointua? No, se ei ole taikuutta, mutta melkein. Sointu koostuu kolmesta sävelestä. Ja kun käännämme sointuja, muutamme alimpana olevaa säveltä, jota kutsutaan myös perussäveleksi tai bassosäveleksi. Tämä saa soinnun kuulostamaan täysin uudelta soinnulta. Näin se toimii. D-soinnussa D on aivan alhaalla, sitten F# sen päällä ja A aivan ylhäällä. Tätä soinnun järjestystä kutsutaan perusasennoksi. Voimme muuttaa näiden sävelten järjestystä niin, että perussävel ei ole enää alhaalla. Jos päätämme siirtää D:n oktaavia ylemmäs, F# on nyt alhaalla. Minkä tahansa soinnun kolmas sävel eli keskimmäinen sävel on alhaalla. Tätä järjestystä kutsutaan 1. käännöksen soinnuksi.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/song-modes.mp4"][/video]
Voimme jopa viedä sen askeleen pidemmälle ja kääntää soinnun uudelleen. Jos voimme pitää D:n uudessa korkeammassa asemassa, voimme myös siirtää F# oktaavia ylemmäs. Nyt A on alhaalla, eli soinnun viides sävel. Tätä kutsumme soinnun toiseksi käännökseksi, koska olemme kääntäneet soinnun kahdesti. Mutta kuulostavatko nämä käännökset oikeasti erilaisilta? On aika istua pianon tai koskettimiston ääreen ja kuulla itse!
[caption id="attachment_40032" align="alignnone" width="1024"]
Tältä D-duuri sointu näyttää perusasennossaan[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"]
Tältä D-duuri sointu näyttää ensimmäisessä käännöksessään[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"]
Tältä D-duuri-sointu näyttää toisessa käänteessä[/caption]
Käänteitä käytetään monissa eri kappaleissa. Esimerkiksi Ed Sheeranin hittikappaleessa Thinking Out Loud. Hän aloittaa soittamalla D-soinnun perusasennossa ja siirtyy sitten D/F#-sointuun. D-sointu ensimmäisessä käänteessä. Mutta tämä ei ole ainoa käyttötapa tälle loistavalle tempulle. Voimme myös käyttää sointukäänteitä luodaksemme tilaa miksaukseemme. Voimme muuttaa nuotin paikkaa sävelkorkeuden ja taajuuden suhteen, mutta säilyttää saman harmonian, saman soinnun. Joten jos sinulla on liikaa soittimia tai ääniä tietyllä taajuusalueella ja miksauksesi kuulostaa sekavalta ja samealta, ajattele sointukäänteen käyttöä tämän ratkaisemiseksi.
Musiikin teoria aloittelijoille. 5: Kuinka käyttää avaimia
Oletko koskaan kuunnellut kappalettasi ja ajatellut, että voi ei, tämä kuulostaa todella tukkimaiselta tai samealta ja sekavalta? Tai ehkä bassosi peittää diskantin alleen. Näissä tilanteissa tykkään ajatella basson ja diskantin avaimia ja sitä, mitkä soittimet kuuluvat mihinkin avaimiin. Selitän tätä vähän tarkemmin, koska ymmärrän, että se voi kuulostaa oudolta. Meillä on diskantin avain, jota käytetään pääasiassa kirjoittamaan nuotteja, jotka ovat korkeampia kuin pianon keskikohdan C. Sitten on basson avain, johon kirjoitetaan nuotit, jotka ovat matalampia kuin keskikohdan C. Jos miksissäni on basso, tiedän, että basso kuuluu basson avaimelle. Syntikka on todennäköisesti diskantin avaimella. Sello kuuluu basson avaimelle, ja esimerkiksi triangeli diskantin avaimelle. Ajattelemalla äänistäni näin voin arvioida kappaleeni kokonaismiksausta. Onko yhdessä avaimessa liikaa osia? Peittääkö toinen avain toisen alleen? Tämä auttaa minua tekemään päätöksiä miksaamisesta ja osien kirjoittamisesta. Se myös varmistaa, että miksaukseni äänikuva on melko tasapainoinen ja hyvin jakautunut.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/treble-and-bass-clef.mp4"][/video]
Musiikin teoria aloittelijoille. 4: Harmonioiden voima
Miksi jotkut ihmiset osaavat tehdä harmonioita todella helposti, kun taas toisille se on vähän hankalampaa. No, onnekkaita on harvoja, joille harmonioiden tekeminen tulee luonnostaan. Tämä johtuu todennäköisesti siitä, että he ovat kehittäneet tätä taitoa pitkän ajan kuluessa harjoittelemalla ja kuuntelemalla paljon harmonioita. Useimmissa tapauksissa ihmiset, jotka tekevät harmonioita, tuntevat todennäköisesti vähän musiikin teoriaa. Suosittelisin oppimaan harmonioiden tekemistä tersseissä, kvartseissa ja kvinteissä, koska ne ovat yleisimpiä harmonioita, joita kuulemme. Mutta tarvitseeko minun todella harmonioita kappaleessani? Tekevätkö ne oikeasti niin suuren eron? Vastaus on KYLLÄ, täysin. Uskon, että harmonioilla voi täysin muuttaa kappaleen luonnetta. Ne ovat loistavia korostamaan kappaleen osia, luomaan kontrastia, paksuntamaan tekstuuria, herättämään mielenkiintoa, ne ovat yksinkertaisesti mahtavia! Ja kuulet niitä melkein jokaisessa pop-kappaleessa, jota kuuntelet. Joten jos haluat viedä miksauksesi tai kappaleesi seuraavalle tasolle, opi vähän teoriaa ja ala tehdä harmonioita!
Musiikin teoria aloittelijoille. 3: Mitä tauot ovat? Ja miten niitä käytetään
Miten joskus musiikin poissaolo voi olla tehokkaampaa kuin itse musiikki? Rehellisesti sanottuna vastaus on, etten tiedä! Joskus se vain on niin. Taukojen tai hiljaisuuden käyttäminen voi luoda paljon jännitystä ja kireyttä miksauksissamme. Se on joskus voimakkain työkalu, joka meillä on. Musiikissa on 5 erilaista taukotyyppiä, jotka sinun tulisi tuntea. Tauot voivat kestää eri pituisia aikoja. Alla olevat ovat ne, jotka sinun tulisi tuntea.
Mutta onko tämä todella totta? Voimmeko luoda niin voimakkaan tunteen pelkällä hiljaisuuden lisäämisellä? Soitan sinulle toistuvan melodian nimeltä progression. Ensimmäisellä kerralla en lisää taukoja tai hiljaisuutta toistojen väliin. Toisella kerralla lisään, ja kuulemme eron.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know_1.mp4"][/video]
Kuulit, että tämän sointukulun toinen versio oli täysin erilainen. Se loi paljon enemmän jännitystä ja herätti täysin erilaisen liikkeen. Kaikki yksinkertaisesti lisäämällä vähän hiljaisuutta.
Musiikin teoria aloittelijoille. 2: Mitä dynamiikka on musiikissa?
Onko miksauksessasi instrumenteissa jotain puuttuvaa? Ehkä niistä puuttuu se elämä tai tunne, jonka haluat niiden välittävän. Saatat tarvita lisää dynamiikkaa. Dynamiikka auttaa meitä kertomaan musiikin tarinan ja luomaan tunteita. Jos palaat ajassa taaksepäin ja katsot nuotteja, näet paljon dynamiikkamerkintöjä. Ne kertovat esittäjälle, kuinka kovaa tai hiljaa soittaa, ja siten kuinka paljon iskua käyttää. Juuri nämä pienet vivahteet auttavat välittämään tunteita musiikissa. On olemassa muutamia päädynamiikkasanoja, jotka sinun tulisi tuntea. Nämä ovat Piano, joka tarkoittaa hiljaa. MF tai Mezzo Forte, joka tarkoittaa normaalia äänenvoimakkuutta. Ja Forte, joka tarkoittaa kovaa. Sinulla on myös Crescendo, joka tarkoittaa, että aloitat hiljaa ja vähitellen kovennat ääntä. Tämän vastakohta on Diminuendo, jossa aloitat kovaa ja hiljennät vähitellen. Kuvittele, että tuot kaikki instrumenttiosuutesi MIDI:n avulla ja haluat lisätä dynamiikkaa. Se kuulostaa melko helpolta, eikö? Menet volyymin automaatioon ja automatisoit volyymin ylös ja alas. Työ tehty, eikö? Jos haluat sen olevan todella tarkkaa ja tehdä dynamiikasta hyvin realistista, ei ihan. Sinun tulisi myös harkita iskunopeuden tai attackin muuttamista kussakin nuotissa. Ajattelepa, jos panoroit instrumentin hiljaa, iskua nuotin alussa on todennäköisesti paljon vähemmän kuin jos soittaisit sen kovaa. Joten jos haluat realistisempaa dynamiikkaa, tämä on yksi asia, jonka sinun tulisi ottaa huomioon. Tuottajina juuri nämä pienet muutokset tekevät miksauksestamme hieman paremman. Se pieni parannus vie sinut lähemmäs täydellisyyttä.
Musiikin teoria aloittelijoille. 1: Opi kieli!
Oletko koskaan ollut studiossa tai jopa tavallisessa huoneessa ja tuntunut siltä, että kaikki puhuvat täysin eri kieltä? Kun aloitin musiikin teorian ja tuotannon opiskelun, tunsin varmasti näin. Se oli kuin tietäisin, että kaikki puhuvat englantia, mutta minulle he olisivat voineet yhtä hyvin puhua jotain avaruuskieltä. Ajan myötä ja harjoittelun myötä opit luonnostaan joitakin sanoja. Muusikoina meillä on universaali lyhennys, jolla välitämme monimutkaisia ideoita ja tekniikoita. Esimerkiksi, jos kapellimestari käskee esiintyjää soittamaan kappaleen osan Forte, he tietävät tarkalleen, mitä se tarkoittaa ja mitä heidän täytyy tehdä. Samoin, jos ääniteknikkoa pyydetään lisäämään kompressiota kappaleeseen, he tietävät tarkalleen, mitä se tarkoittaa ja mitä tehdä. Joten suosittelen, että käytät aikaa oppiaksesi tärkeimmät sanat. Sekä musiikin esitykseen että äänitekniikkaan liittyvät. Päivän päätteeksi tuottajana meidän täytyy kommunikoida sekä muusikoiden että ääniteknikoiden kanssa. Joten meidän täytyy osata puhua molempia kieliä. Meidän täytyy myös pystyä kommunikoimaan ja ilmaisemaan päässämme olevat ideat edessämme olevalle kappaleelle. Tämä on paljon helpompaa, jos voimme ilmaista ideamme musiikillisilla termeillä. Päivän päätteeksi se on se, mikä antaa meille mahdollisuuden tehdä työmme tehokkaasti.
Joten tässä on 10 tärkeintä musiikin teorian periaatetta, jotka sinun tulisi tietää. Tuotannon osalta suurin vinkki, jonka voin antaa, on tehdä musiikkia, josta nautit, eikä pelätä mennä laatikon ulkopuolelle ja rikkoa musiikin sääntöjä! Tutustu pianokordien ja asteikkojen kaavioihimme, oppiaksesi nopeasti tärkeimmät soinnut ja asteikot!