La théorie musicale a toujours été un sujet controversé et polarisant, surtout parmi les producteurs de musique. Connue comme l'un des aspects les plus ennuyeux de la production musicale, vous ne trouverez pas beaucoup de personnes enthousiastes et motivées à investir leur temps libre et leur argent pour apprendre la théorie musicale. Certains disent qu'il n'est pas nécessaire de connaître la théorie musicale du tout (même Timbaland a récemment partagé la même opinion), tandis que d'autres y croient fermement. De nos jours, de plus en plus de producteurs de musique en herbe passent outre la partie théorie et se lancent directement dans la création de beats. C'est compréhensible, car selon la manière dont vous apprenez la théorie musicale, cela peut devenir extrêmement ennuyeux. Bien qu'il existe des tonnes de livres sur la théorie musicale (au fait, je vous recommande vivement de lire Alfred's essentials of music theory), divers fiches de triche en théorie musicale et astuces de théorie musicale que vous pouvez utiliser pour mieux comprendre, le plus précieux est d'abord d'apprendre les fondamentaux. La bonne nouvelle, cependant, est que vous n'avez pas besoin d'apprendre chaque détail de la théorie musicale pour commencer à produire de la musique de qualité. Dans cet article, nous vous enseignerons 10 principes de théorie musicale que tout musicien, artiste ou producteur de musique devrait connaître. Ces 10 principes ne feront pas de vous le prochain Scott Storch, mais ils serviront de bonne base et vous enseigneront les directives de base de la théorie musicale sur lesquelles vous pouvez créer votre musique.
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Avec la technologie dans les meilleurs DAW qui devient de plus en plus avancée, il est facile d'oublier la théorie musicale. Elle a donc acquis une certaine mauvaise réputation. Peut-être à tort, car augmenter vos connaissances musicales peut être d'une grande valeur, que vous soyez producteur de musique, DJ, auteur-compositeur, artiste ou si vous voulez simplement apprendre à jouer du piano. Maintenant, je ne dis pas que vous devez tout savoir. Vous devez juste savoir ce que VOUS devez savoir pour vous aider à devenir un meilleur musicien. Est-ce que ça a du sens ? Laissez-moi le présenter sous un autre angle. Si vous êtes chauffeur de bus, vous n'avez pas besoin de savoir de quels matériaux ou pièces le bus est fait. Tout ce que vous devez savoir, c'est comment conduire ce truc ! Donc pas besoin de plonger dans d'innombrables livres de théorie musicale, de lire des tonnes de pages reddit sur la théorie musicale ou de vous inscrire à un cours de théorie musicale. Connaître les bases peut vous amener là où vous voulez être. Alors, entrons dans les 10 choses que vous devriez savoir sur la théorie musicale.
Théorie musicale pour débutants. 10 : Qu'est-ce que le BPM et comment trouver le bpm d'une chanson
Le tempo d'une chanson est exprimé par le BPM (battements par minute) ; il détermine la rapidité ou la lenteur de la musique. Il existe des guides de tempo approximatifs ou des valeurs BPM que différents genres musicaux utilisent. Par exemple, la musique pop se situe généralement entre 100 et 130 BPM et le Hip-Hop entre 85 et 115 BPM. Vous pouvez trouver ces valeurs générales simplement en cherchant sur Google. Mais personnellement, je trouve que la meilleure façon de déterminer le tempo d'une chanson est de le taper.
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Pour trouver le tempo de n'importe quelle chanson, vous pouvez taper en rythme et compter chaque battement pendant une minute. Cela vous donnera le BPM exact d'une chanson. Une méthode plus rapide consiste à le faire sur 30 secondes, puis à multiplier le nombre de battements par deux.
Théorie musicale pour débutants. 9 : Qu'est-ce que la signature rythmique ?
La signature rythmique change la sensation de la musique. La signature rythmique de notre projet est vraiment importante à bien définir. Cela parce qu'elle modifie la sensation de la musique mais aussi la façon dont la musique se déplace. Deux des signatures rythmiques les plus couramment utilisées et vues sont 3/4 et 4/4. Elles sonnent différemment à cause de l'endroit où se trouve l'accent dans la musique. Nous mettons naturellement l'accent sur le premier temps de la mesure. En 3/4, cela se produit tous les trois temps. En 4/4, cela se produit tous les quatre temps. Si nous devions taper un rythme en 3/4, cela ressemblerait à 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3.
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Et en 4/4, cela ressemblerait à 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4.
Si vous deviez taper dans vos mains en rythme avec une chanson, vous pourriez entendre que ceux-ci sonnent définitivement différemment. C'est en partie la raison pour laquelle la valse sonne totalement différente d'un morceau de rock. Un excellent exemple de la façon dont les signatures rythmiques changent la sensation de la musique se trouve dans la reprise de « It's Oh So Quiet » par Björk. Maintenant, si vous connaissez la chanson, vous savez qu'il y a deux sections distinctes. Vous commencerez par la section d'introduction lente et timide, qui passe ensuite à une section centrale vraiment percutante, rapide et énergique. Ce qui est vraiment intéressant, c'est que cette section d'introduction est en 3/4, et la section rapide du milieu est en 4/4. Donc Björk, dans cette reprise, a utilisé les signatures rythmiques pour créer ce contraste. Elles sont vraiment importantes.
Théorie musicale pour débutants. 8 : Qu'est-ce que les changements de tonalité ?
Avez-vous déjà écouté une chanson avec un changement de tonalité épique à la fin et souhaité pouvoir ajouter quelque chose de ce genre à votre propre morceau ? Eh bien, il y a de fortes chances qu'il existe en fait un changement de tonalité assez simple que nous pouvons recréer en utilisant quelques connaissances de base en théorie musicale. Une tonalité est un groupe de notes que nous utilisons dans notre musique, que nous rassemblons dans une gamme. Donc, si nous sommes dans la tonalité de Do Majeur, nous utilisons toutes les notes de la gamme de Do Majeur. Chaque tonalité a un groupe de tonalités étroitement liées. Ce sont des tonalités qui partagent beaucoup de notes similaires avec notre tonalité d'origine. Si nous restons avec Do Majeur, les tonalités étroitement liées sont La mineur, Fa Majeur, Ré mineur, Sol Majeur et Mi mineur. Il existe certaines règles qui vous permettent de déterminer quelles sont les tonalités étroitement liées à chaque tonalité. Utilisez cet outil pour calculer les tonalités étroitement liées.
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Un changement de tonalité de Do Majeur vers l'une de ces tonalités étroitement liées est très susceptible de sonner très bien. Mais est-ce vraiment ces changements de tonalité que nous avons tendance à entendre dans la musique pop ? En fait, il existe un changement de tonalité beaucoup plus courant qui a tendance à être utilisé dans la musique pop. Et il s'agit de passer de la Tonique à la Supertonique. Cela correspond essentiellement à passer à la tonalité suivante. Par exemple, dans « I Wanna Dance With Somebody » de Whitney Houston, on passe de Fa Majeur à Sol Majeur. D'autres excellents exemples de changements de tonalité utilisés dans la musique pop seraient « Love On Top » de Beyoncé et « Living On A Prayer » de Bon Jovi (bien que ce ne soit techniquement pas une chanson pop). Donc, si vous voulez créer du contraste et de l'intérêt dans votre musique, pensez à introduire un changement de tonalité.
Théorie musicale pour débutants. 7 : Utiliser les modes
Avez-vous déjà essayé d'écrire une mélodie pour une chanson et pensé que cette mélodie ne correspondait pas tout à fait à ce genre ? Comme si vous essayiez d'écrire une mélodie blues mais qu'elle ne sonnait pas authentique. Eh bien, peut-être que vous n'utilisez pas le bon mode. Les modes sont différents types de gammes, et une gamme est un ensemble de sept notes.
Il existe 7 modes différents, et chacun d'eux a un schéma différent de tons et de demi-tons entre chaque note de la gamme. Mais devons-nous vraiment nous en préoccuper autant ? En réalité, je dirais que la majorité des chansons que vous entendez en tonalité majeure sont écrites dans le mode ionien. Et c'est la gamme majeure normale à laquelle nous sommes habitués. Les tonalités mineures sont un peu plus complexes et peut-être un sujet pour un autre jour. Mais en tout cas, certains genres ont tendance à utiliser différents modes. Par exemple, si vous prenez la septième note du mode ionien et que vous l'abaissez d'un demi-ton, vous obtenez le mode mixolydien que vous pouvez utiliser pour la musique blues. Les mêmes règles s'appliquent aux autres modes et gammes également.
Si vous jouez ces notes sur un piano, vous entendrez que chaque gamme a une sensation différente. Et c'est pourquoi certains types de musique ou certains genres ont un son différent et distinctif. Ils utilisent simplement un ensemble différent de notes parce qu'ils sont écrits dans un mode différent.
Théorie musicale pour débutants. 6 : Qu'est-ce que les inversions ? Et comment les utiliser
Pourquoi pouvons-nous parfois entendre un accord joué deux fois, et penser que nous entendons deux accords différents ? Eh bien, ce n'est pas de la magie, mais c'en est presque. Un accord est composé de trois notes. Et quand nous inversions les accords, nous changeons la note qui est en bas, aussi appelée la fondamentale ou la note de basse. Et cela donne l'impression d'un tout nouvel accord. Voici comment cela fonctionne. Dans un accord de Ré, vous avez le Ré tout en bas, puis le Fa dièse au-dessus, et le La tout en haut. Nous décrivons un accord ordonné ainsi comme étant en position fondamentale. Nous pouvons changer l'ordre de ces notes, de sorte que la note fondamentale ne soit plus en bas. Si nous décidons de monter le Ré d'une octave, le Fa dièse sera maintenant en bas. Dans n'importe quel type d'accord, la troisième note de l'accord, ou la note du milieu, sera en bas. Nous appelons cet ordre une première inversion d'accord.
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Nous pouvons même aller un peu plus loin et inverser à nouveau l'accord. Si nous pouvons garder le Ré dans sa nouvelle position plus haute, nous pouvons aussi monter le Fa dièse d'une octave. Maintenant, le La est en bas, ou la cinquième note de l'accord. C'est ce que nous appelons la seconde inversion d'un accord parce que nous avons inversé l'accord deux fois. Mais ces inversions sonnent-elles vraiment différemment ? Il est temps de vous mettre derrière votre piano ou clavier et d'écouter par vous-même !
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Voici à quoi ressemble l'accord de Ré Majeur dans sa position fondamentale[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"]
Voici à quoi ressemble l'accord de Ré Majeur en première inversion[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"]
Voici à quoi ressemble l'accord de Ré majeur en second renversement[/caption]
Les renversements sont utilisés dans beaucoup de chansons différentes. Par exemple dans le tube d'Ed Sheeran Thinking Out Loud. Il commence par jouer un accord de Ré en position fondamentale, puis passe à un accord de Ré/F# (Ré avec Fa# à la basse). L'accord de Ré en premier renversement. Mais ce n'est pas la seule utilisation de cette astuce brillante. Nous pouvons aussi utiliser les renversements d'accords pour créer de l'espace dans notre mix. Nous pouvons changer la position de la note en termes de hauteur et de fréquence, tout en gardant la même harmonie, le même accord. Donc si vous avez trop d'instruments ou de sons dans une certaine plage de fréquences, et que votre mix sonne encombré et boueux, pensez à utiliser un renversement d'accord pour essayer de résoudre cela.
Théorie musicale pour débutants. 5 : Comment utiliser les clés
Avez-vous déjà écouté votre piste et pensé, mon dieu ça sonne vraiment étouffé ou vraiment boueux et encombré ? Ou peut-être que votre basse domine les aigus. Dans ces scénarios, j'aime penser aux clés de basse et de sol, et aux instruments qui se placeraient dans chaque clé. Laissez-moi vous expliquer un peu plus, car je réalise que cela peut sembler un peu étrange. Nous avons donc la clé de sol, qui est principalement utilisée pour écrire les notes plus aiguës que le do central au piano. Ensuite, nous avons la clé de fa, où nous écrivons les notes plus graves que le do central au piano. Si j'ai une basse dans mon mix, je sais que cette basse se placera dans ma clé de fa. Un synthé sera très probablement dans la clé de sol. Un violoncelle se placera dans la clé de fa, et quelque chose comme un triangle se placera dans la clé de sol. En pensant à mes sons de cette manière, je peux évaluer le mix global de ma piste. Y a-t-il trop de parties dans une clé ? Une clé domine-t-elle l'autre ? Et cela m'aide à prendre des décisions sur mon mixage et sur la façon dont j'écris les parties. Cela aide aussi à s'assurer que la répartition sonore globale de mon mix est assez uniforme et bien équilibrée.
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Théorie musicale pour débutants. 4 : Le pouvoir des harmonies
Pourquoi certaines personnes peuvent-elles harmoniser très très facilement alors que pour d'autres cela s'avère un peu plus compliqué ? Eh bien, il y a les quelques chanceux pour qui l'harmonisation vient tout simplement naturellement. Et c'est probablement parce que c'est une compétence qu'ils ont développée sur une longue période en pratiquant simplement et en écoutant beaucoup d'harmonies. Mais dans la plupart des cas, les personnes qui harmonisent connaissent probablement un peu la théorie musicale. Je recommanderais d'apprendre à harmoniser en tierces, quartes et quintes car ce sont les harmonies les plus courantes que nous entendons. Mais ai-je vraiment besoin d'harmonies dans ma chanson ? Est-ce qu'elles feront vraiment une grande différence ? La réponse est OUI, complètement. Je crois que les harmonies peuvent complètement transformer une chanson. Elles sont excellentes pour mettre en valeur des parties d'une chanson, pour créer du contraste, pour épaissir la texture, pour susciter de l'intérêt, elles sont tout simplement brillantes ! Et vous les entendrez dans pratiquement toutes les chansons pop que vous écoutez. Donc si vous voulez porter votre mix ou votre piste au niveau supérieur, apprenez un peu de théorie et commencez à harmoniser !
Théorie musicale pour débutants. 3 : Qu'est-ce que les silences ? Et comment les utiliser
Comment se fait-il que parfois l'absence de musique soit plus efficace que la musique elle-même ? Pour être honnête, la réponse est que je ne sais pas ! Parfois, c'est juste le cas. Utiliser des silences ou des pauses peut créer beaucoup de suspense et de tension dans nos mixes. C'est parfois l'outil le plus puissant que nous ayons. Il y a 5 types différents de silences en musique dont vous devriez être conscient. Les silences peuvent durer des durées différentes. Ceux ci-dessous sont ceux dont vous devriez être conscient.
Mais est-ce vraiment vrai ? Pouvons-nous créer une émotion aussi puissante simplement en ajoutant du silence ? Je vais vous jouer un air répété appelé progression. La première fois, je ne vais pas ajouter de silences ou de pauses entre les répétitions. La deuxième fois, je le ferai et nous entendrons la différence.
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Vous pouvez entendre que la deuxième version de cette progression d'accords était complètement différente. Elle a créé beaucoup plus de suspense et évoqué une émotion complètement différente. Tout cela simplement en ajoutant un peu de silence.
Théorie musicale pour débutants. 2 : Qu'est-ce que la dynamique en musique ?
Dans notre mix, vos instruments manquent-ils de quelque chose ? Peut-être qu'ils n'ont pas tout à fait la vie ou l'émotion que vous souhaitez leur donner. Vous pourriez avoir besoin d'ajouter un peu de dynamique. La dynamique nous aide à raconter l'histoire de la musique et à créer de l'émotion. Si vous remontez dans le temps et regardez des partitions, vous verrez beaucoup d'indications dynamiques. Celles-ci indiquent au musicien à quel volume jouer, fort ou doucement, et donc avec quelle attaque jouer. Et ce sont ces petites nuances qui aident à transmettre ces émotions dans la musique. Il y a quelques mots dynamiques principaux dont vous devriez être conscient. Ce sont Piano qui signifie doucement. MF ou Mezzo Forte qui signifie volume normal. Et Forte qui signifie fort. Vous avez aussi Crescendo, ce qui signifie que vous devez commencer à jouer doucement et augmenter progressivement le volume. L'opposé est Diminuendo où vous commencez fort et diminuez progressivement le volume. Imaginez que vous importez toutes vos parties d'instruments en MIDI, et que vous voulez ajouter de la dynamique. Cela semble assez simple, non ? Vous allez dans l'automatisation du volume et vous automatisez simplement le volume vers le haut et vers le bas. Travail terminé, non ? Donc si vous voulez que ce soit vraiment très précis, et que ces dynamiques sonnent très réalistes, ce n'est pas tout à fait ça. Vous devriez aussi penser à changer l'attaque ou la vélocité de chacune de ces notes. Si vous y réfléchissez, si vous pannez un instrument doucement, vous aurez probablement beaucoup moins d'attaque au début de la note que si vous la jouiez fort. Donc si vous voulez des dynamiques plus réalistes, c'est une des choses à considérer. En tant que producteurs, ce sont ces petits changements qui rendront notre mix un tout petit peu meilleur. Ce tout petit peu vous rapprochera de la perfection.
Théorie musicale pour débutants. 1 : Apprenez la langue !
Vous êtes-vous déjà retrouvé dans un studio, ou même dans une pièce normale, et eu l'impression que tout le monde parlait une langue complètement différente ? Quand j'ai commencé à apprendre la théorie musicale et la production, je ressentais certainement cela. C'était comme si je savais que tout le monde parlait anglais, mais pour moi, ils auraient tout aussi bien pu parler une langue extraterrestre. Avec le temps et la pratique, on apprend naturellement quelques mots. En tant que musiciens, nous avons un langage universel abrégé, pour transmettre des idées et techniques complexes. Par exemple, si un chef d'orchestre dit à un interprète de jouer une partie d'une chanson Forte, ils savent exactement ce que cela signifie, exactement ce qu'ils doivent faire. De même, si un ingénieur se voit demander d'appliquer une compression à une piste, il sait exactement ce que cela signifie et ce qu'il doit faire. Je vous recommande donc d'investir du temps pour apprendre les mots principaux. Tant en ce qui concerne la performance musicale que l'ingénierie. Au final, en tant que producteur, nous devons communiquer avec les musiciens et les ingénieurs. Nous devons donc être capables de parler les deux langues. Nous devrons aussi pouvoir communiquer et verbaliser les idées dans notre tête, pour la piste devant nous. Ce sera beaucoup plus facile si nous pouvons exprimer nos idées en termes musicaux. Au final, c'est ce qui nous permettra de faire notre travail efficacement.
Il y a donc 10 principes fondamentaux de la théorie musicale que vous devriez connaître. En termes de production, le plus grand conseil que je peux donner est de faire de la musique que vous aimez, et de ne pas avoir peur de sortir des sentiers battus et de briser les règles de la musique ! Découvrez nos piano chord and scale charts, pour apprendre rapidement les accords et gammes les plus importants !