Musikkteori har alltid vært et kontroversielt og polariserende tema, spesielt blant musikkprodusenter. Kjent som en av de kjedeligste sidene ved musikkproduksjon, vil du ikke finne mange som er begeistret og motiverte til å investere fritiden og pengene sine i å lære musikkteori. Noen sier at du ikke trenger å kunne noe musikkteori i det hele tatt (selv Timbaland delte nylig samme mening), mens andre sverger til det. Nå for tiden hopper flere og flere kommende musikkprodusenter over teoridelen og går rett på å lage beats. Forståelig, fordi avhengig av hvordan du går frem for å lære musikkteori, kan det bli ekstremt kjedelig. Selv om det finnes mange bøker om musikkteori (forresten, jeg anbefaler sterkt at du leser Alfred's essentials of music theory), ulike musikk theory cheat sheets og music theory hacks du kan bruke for å få en bedre forståelse, er det mest verdifulle å først lære det grunnleggende. Den gode nyheten er imidlertid at du ikke trenger å lære hver eneste bit av musikkteori for å begynne å produsere kvalitetsmusikk. I denne artikkelen vil vi lære deg 10 musikkteoriprinsipper som enhver musiker, artist eller musikkprodusent bør kjenne til. Disse 10 prinsippene vil ikke gjøre deg til neste Scott Storch, men de vil tjene som et godt fundament og lære deg de grunnleggende musikkteoriretningslinjene som du kan skape musikk ut fra.
Noe du bør lese: De beste studiohøyttalerne i 2021
Med teknologien i de beste DAW-ene som blir mer og mer avansert, er det lett å glemme musikkteori. Det har derfor fått et noe dårlig rykte. Kanskje urettferdig, fordi å øke din musikalske kunnskap kan være av betydelig verdi, enten du er musikkprodusent, DJ, låtskriver, artist eller bare vil lære å spille piano. Nå sier jeg ikke at du må kunne alt som finnes å vite. Du trenger bare å vite det DU trenger å vite for å hjelpe deg å bli en bedre musiker. Gir det mening? La meg sette det i et annet perspektiv. Hvis du er bussjåfør, trenger du ikke vite hvilke materialer eller deler bussen er laget av. Alt du trenger å vite er hvordan du kjører den! Så ingen grunn til å dykke ned i utallige musikkteoribøker, lese gjennom tonnevis av musikkteori-reddit-sider eller melde deg på en musikkteorikurs. Å bare kjenne det grunnleggende kan få deg dit du vil. Så la oss gå gjennom de 10 tingene du bør vite om musikkteori.
Musikkteori for nybegynnere. 10: Hva er BPM og hvordan finne BPM til en sang
Tempoet til en sang uttrykkes ved BPM (Beats Per Minute) og bestemmer hvor rask eller langsom musikken er. Det finnes noen omtrentlige tempoveiledninger eller BPM-verdier som forskjellige musikksjangre bruker. For eksempel ligger popmusikk vanligvis mellom 100 og 130 BPM, og Hip-Hop mellom 85 og 115 BPM. Du kan finne disse generelle verdiene ved å bare google. Men jeg synes personlig at den beste måten å finne tempoet til en sang på er å klappe det ut.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/how-to-find-the-bpm.mp4"][/video]
For å finne tempoet til en sang kan du klappe med på takten og telle på hvert slag i løpet av ett minutt. Dette gir deg den eksakte BPM-en til en sang. En raskere måte er å gjøre det i løpet av 30 sekunder, og deretter multiplisere antall slag med to.
Musikkteori for nybegynnere. 9: Hva er taktart?
Taktarten endrer følelsen i musikken. Taktarten i prosjektet vårt er veldig viktig å få riktig. Dette er fordi den endrer følelsen i musikken, men også måten musikken beveger seg på. To av de mest brukte og vanlige taktartene er 3/4 og 4/4. Disse høres forskjellige ut på grunn av hvor trykket i musikken ligger. Vi legger naturlig vekt på den første taktslaget i takten. I 3/4 skjer dette hvert tredje slag. I 4/4 skjer det hvert fjerde slag. Hvis vi skulle klappe en takt i 3/4, ville det se ut som 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3 - 1,2,3.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know.mp4"][/video]
Og i 4/4 vil det se ut som 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4 - 1,2,3,4.
Hvis du skulle klappe med til en sang, ville du definitivt høre at de høres forskjellige ut. Dette er en del av grunnen til at vals høres helt annerledes ut enn en rockelåt. Et veldig godt eksempel på hvordan taktarter endrer følelsen i musikken, er i Björks cover av It's Oh So Quiet. Hvis du kjenner sangen, vet du at det er to distinkte seksjoner. Du begynner med den langsomme, forsiktige begynnelsen, som deretter går over i en hardtslående, rask og energisk midtdel. Det som er virkelig interessant, er at begynnelsen er i 3/4, mens den raske midtdelen er i 4/4. Så Björk har i dette coveret brukt taktarter for å skape kontrast. De er veldig viktige.
Musikkteori for nybegynnere. 8: Hva er toneartsskifter?
Har du noen gang hørt på en sang med et episk toneartsskifte på slutten og bare ønsket at du kunne legge til noe slikt i din egen låt? Vel, sjansen er stor for at det faktisk finnes et ganske enkelt toneartsskifte vi kan gjenskape ved hjelp av grunnleggende musikkteorikunnskap. En toneart er en gruppe toner vi bruker i musikken vår, som vi samler i en skala. Så hvis vi er i C-dur, bruker vi alle tonene i C-dur-skalaen. Hver toneart har en gruppe nært beslektede tonearter. Disse er tonearter som deler mange lignende toner med vår opprinnelige toneart. Hvis vi holder oss til C-dur, er de nært beslektede toneartene A-moll, F-dur, D-moll, G-dur og E-moll. Det finnes visse regler som lar deg finne ut hvilke tonearter som er nært beslektet med hver toneart. Bruk dette verktøyet for å beregne nært beslektede tonearter.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/cmajor.mp4"][/video]
Et toneartsskifte fra C-dur til en av disse nært beslektede toneartene vil mest sannsynlig høres veldig bra ut. Men er dette egentlig de toneartsskiltene vi pleier å høre i popmusikk? Vel, det finnes faktisk et mye vanligere toneartsskifte som ofte brukes i popmusikk. Og det er å gå fra tonika til supertonika. Det beveger seg i praksis til neste toneart. For eksempel, i Whitney Houstons - I Wanna Dance With Somebody, går vi fra F-dur til G-dur. Andre gode eksempler på toneartsskifter brukt i popmusikk er Love On Top av Beyonce, og Living On A Prayer av Bon Jovi (selv om dette teknisk sett ikke er en poplåt). Så hvis du vil skape kontrast og interesse i musikken din, bør du vurdere å introdusere et toneartsskifte.
Musikkteori for nybegynnere. 7: Bruk av modi
Har du noen gang prøvd å skrive en melodi til en sang og tenkt at denne melodien passer ikke helt til denne sjangeren? Som om du prøver å skrive en blues-melodi, men den høres ikke autentisk ut. Vel, kanskje du ikke bruker riktig modus. Modi er forskjellige typer skalaer, og en skala er en samling av syv toner.
Det finnes 7 forskjellige modi, og hver av dem har et ulikt mønster av hel- og halvtoner mellom hver tone i skalaen. Men trenger vi egentlig å bekymre oss så mye for dem? Vel, i realiteten vil jeg si at flertallet av sangene du hører i en dur-toneart er skrevet i Ionian-modus. Og det er den vanlige dur-skalaen vi er vant til å høre. Moll-tonearter er litt mer komplekse og kanskje en diskusjon for en annen dag. Men uansett, noen sjangre pleier å bruke forskjellige modi. For eksempel, hvis du tar den syvende tonen i Ionian-modus og senker den med en halv tone, får du Mixolydian-modus som du kan bruke til bluesmusikk. De samme reglene gjelder også for de andre modiene og skalaene.
Hvis du spiller disse på et piano, vil du høre at hver skala har en forskjellig følelse. Og dette er grunnen til at noen typer musikk eller noen sjangre har en annerledes og gjenkjennelig lyd. De bruker ganske enkelt et annet sett med toner fordi de er skrevet i en annen modus.
Musikkteori for nybegynnere. 6: Hva er inversjoner? Og hvordan bruke dem
Hvorfor kan vi noen ganger høre en akkord spilt to ganger, og tro at vi hører to forskjellige akkorder? Vel, det er ikke magi, men det er ganske nærme. En akkord består av tre toner. Og når vi inverterer akkorder, endrer vi tonen som er nederst, også kjent som grunn- eller bassnoten. Og dette får det til å høres ut som en helt ny akkord. Slik fungerer det. I en D-akkord har du D helt nederst, så F Sharp over den og A helt øverst. Vi beskriver en akkord ordnet slik som i grunnstilling. Vi kan endre rekkefølgen på disse tonene, slik at grunnnoten ikke lenger er nederst. Hvis vi bestemmer oss for å flytte D opp en oktav, vil F Sharp nå være nederst. I enhver type akkord vil den tredje tonen, eller midttonen, være nederst. Vi kaller denne rekkefølgen en 1. inversjon av akkorden.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/song-modes.mp4"][/video]
Vi kan til og med ta det et steg videre og invertere akkorden igjen. Hvis vi kan beholde D i sin nye høyere posisjon, kan vi også flytte F Sharp opp en oktav. Nå er A nederst, eller den femte tonen i akkorden. Dette kaller vi andre inversjon av en akkord fordi vi har invertert akkorden to ganger. Men høres disse inversjonene faktisk forskjellige ut? Tid for å sette seg bak pianoet eller keyboardet og høre selv!
[caption id="attachment_40032" align="alignnone" width="1024"]
Slik ser D-dur-akkorden ut i sin grunnstilling[/caption][caption id="attachment_40030" align="alignnone" width="1024"]
Slik ser D-dur-akkorden ut i første inversjon[/caption][caption id="attachment_40031" align="alignnone" width="1024"]
Slik ser D-dur-akkorden ut i andre inversjon[/caption]
Inversjoner brukes i mange forskjellige sanger. For eksempel i Ed Sheerans hitlåt Thinking Out Loud. Han starter med å spille en D-akkord i grunnstilling, og går deretter til en D/F#-akkord. D-akkorden i sin første inversjon. Men dette er ikke den eneste bruken av dette geniale trikset. Vi kan også bruke akkordinversjoner for å skape rom i miksen vår. Vi kan endre hvor noten ligger i forhold til tonehøyde og frekvens, men fortsatt beholde samme harmoni, samme akkord. Så hvis du har for mange instrumenter eller lyder i et bestemt frekvensområde, og miksen din høres rotete og uklar ut, tenk på å bruke en akkordinversjon for å prøve å løse dette.
Musikkteori for nybegynnere. 5: Hvordan bruke nøkler
Har du noen gang hørt på sporet ditt og bare tenkt, gud dette høres virkelig dempet eller veldig rotete og uklart ut? Eller kanskje bassen din overdøver diskanten. I slike situasjoner liker jeg å tenke på bass- og diskantnøkkelen, og hvilke instrumenter som hører til i hvilke nøkler. La meg forklare dette litt mer, for jeg skjønner at det kan høres litt rart ut. Så vi har diskantnøkkelen, som hovedsakelig brukes til å skrive notene som er høyere i tone enn midtre C på pianoet. Så har vi bassnøkkelen, hvor vi skriver notene som er lavere i tone enn midtre C på pianoet. Hvis jeg har en bass i miksen min, vet jeg at denne bassen vil ligge i bassnøkkelen min. En synth vil mest sannsynlig ligge i diskantnøkkelen. En cello vil ligge i bassnøkkelen, og noe som en triangel vil ligge i diskantnøkkelen. Ved å tenke på lydene mine på denne måten kan jeg vurdere den totale miksen av sporet mitt. Er det for mange deler i én nøkkel? Overdøver én nøkkel den andre? Og dette hjelper meg å ta beslutninger om miksen min og hvordan jeg skriver deler. Det hjelper også med å forsikre at den totale lydspredningen i miksen min er ganske jevn og godt balansert.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/treble-and-bass-clef.mp4"][/video]
Musikkteori for nybegynnere. 4: Kraften i harmonier
Hvorfor kan noen mennesker harmonisere veldig, veldig lett, mens det for andre viser seg å være litt mer vanskelig? Vel, det finnes noen heldige få som bare naturlig kan harmonisere. Og dette er sannsynligvis fordi det er en ferdighet de har utviklet over lang tid ved å bare øve og lytte til mange harmonier. Men i de fleste tilfeller vil folk som harmoniserer sannsynligvis kunne litt musikkteori. Jeg vil anbefale å lære å harmonisere i terser, kvart og kvinter, da dette er de vanligste harmoniene vi hører. Men trenger jeg virkelig harmonier i sangen min? Vil de virkelig gjøre så stor forskjell? Svaret er JA, helt klart. Jeg tror harmonier kan fullstendig forvandle en sang. De er flotte for å fremheve deler av en sang, for å skape kontrast, for å gjøre teksturen tykkere, for å skape interesse, de er bare geniale! Og du vil høre dem i omtrent alle poplåter du lytter til. Så hvis du vil ta miksen eller sporet ditt til neste nivå, lær litt teori og begynn å harmonisere!
Musikkteori for nybegynnere. 3: Hva er pauser? Og hvordan bruke dem
Hvordan kan noen ganger fraværet av musikk være mer effektivt enn selve musikken? Ærlig talt er svaret, jeg vet ikke! Noen ganger er det bare slik. Å bruke pauser eller stillhet kan skape så mye spenning og intensitet i miksene våre. Det er noen ganger det mest kraftfulle verktøyet vi har. Det finnes 5 forskjellige typer pauser i musikk som du bør kjenne til. Pausene kan vare i ulik tid. De under er de du bør være klar over.
Men er dette virkelig sant? Kan vi skape en så kraftfull følelse bare ved å legge til stillhet? Jeg skal spille en gjentatt melodi kalt progresjon for deg. Første gang skal jeg ikke legge til pauser eller noen stillhet mellom gjentakelsene. Andre gang vil jeg, og vi skal høre forskjellen.
[video width="1280" height="720" mp4="https://www.staging11.musiciangoods.com/wp-content/uploads/2021/03/Music-Theory-for-Beginners-_-10-Tips-You-Should-Know_1.mp4"][/video]
Du kan høre at den andre versjonen av denne akkordprogresjonen var helt annerledes. Den skapte mye mer spenning, og fremkalte en helt annen bevegelse. Alt bare ved å legge til litt stillhet.
Musikkteori for nybegynnere. 2: Hva er dynamikk i musikk?
I miksen vår, mangler instrumentene dine noe? Kanskje de ikke helt har det liv eller den følelsen du ønsker at de skal ha. Du kan trenge å legge til litt dynamikk. Dynamikk hjelper oss å fortelle musikkens historie og skape følelser. Hvis du går tilbake i tid og ser på noe noteskrift, vil du se mange dynamikkmarkeringer. Disse forteller utøveren hvor høyt eller lavt de skal spille, og dermed hvor mye attack de skal spille med. Og det er disse små nyansene som hjelper til med å formidle disse følelsene i musikken. Det finnes noen hoveddynamikkord du bør kjenne til. Disse er Piano som betyr stille. MF eller Mezzo Forte som betyr normal volum. Og Forte som betyr høyt. Du har også Crescendo, som betyr at du skal starte stille og gradvis bli høyere. Det motsatte av dette er Diminuendo hvor du starter høyt og gradvis blir stille. Så forestill deg at du importerer alle instrumentdelene dine med MIDI, og du vil legge til litt dynamikk. Det virker vel enkelt nok? Du går inn i volumautomatisering og automatiserer volumet opp og ned. Ferdig, ikke sant? Så hvis du vil at det skal være veldig, veldig presist, og få disse dynamikkene til å høres veldig realistiske ut, så ikke helt. Du bør også tenke på å endre attack eller velocity på hver av disse notene. Hvis du tenker på det, hvis du panorerer et instrument stille, er det mer sannsynlig at du har mye mindre attack i starten av noten enn om du skulle spilt det høyt. Så hvis du vil ha mer realistisk dynamikk, er dette en av tingene du bør vurdere. Som produsenter er det å gjøre disse små endringene som vil gjøre miksen vår en liten bit bedre. Den lille biten vil bringe deg nærmere perfeksjon.
Musikkteori for nybegynnere. 1: Lær språket!
Har du noen gang vært i et studio, eller til og med i et vanlig rom, og følt at alle snakket et helt annet språk? Da jeg begynte å lære musikkteori og produksjon, følte jeg absolutt det slik. Det var som om jeg visste at alle snakket engelsk, men for meg kunne de like gjerne ha snakket et utenomjordisk språk. Nå, over tid og med øvelse, plukker man opp noen ord naturlig. Som musikere har vi en universell forkortelse for å formidle noen komplekse ideer og teknikker. For eksempel, hvis en dirigent ber en utøver spille en del av en sang Forte, vet de nøyaktig hva det betyr, og hva de må gjøre. På samme måte, hvis en ingeniør blir bedt om å bruke litt komprimering på et spor, vet de nøyaktig hva det betyr og hva de skal gjøre. Så jeg vil anbefale at du investerer litt tid i å lære hovedordene. Både relatert til musikkframføring og til ingeniørarbeid. Til syvende og sist, som produsent, må vi kommunisere med både musikere og ingeniører. Så vi må kunne snakke begge språkene. Vi må også kunne kommunisere og uttrykke ideene i hodet vårt, for sporet foran oss. Det blir mye enklere å gjøre hvis vi kan uttrykke ideene våre i musikalske termer. Til syvende og sist er det det som gjør at vi kan gjøre jobben vår effektivt.
Så det er 10 viktige musikkteoriprinsipper du bør kjenne til. Når det gjelder produksjon, er det største tipset jeg kan gi å lage musikk du liker, og ikke være redd for å tenke utenfor boksen og bryte musikkreglene! Sjekk ut våre pianoakkord- og skalaoversikter, for å raskt lære de viktigste akkordene og skalene!